Collegium – CEIM

De los pasillos de Collegium a los escenarios: La Tico cumple diez años

Clarisa Alba Gomez — Fri, 28 Aug 2026 21:34:21 +0000

Diez años de escenarios, diez años de ensayos, de componer, de probar letras, de escuchar y escucharse. La banda cordobesa La Tico cumple una década de existencia y lo va a festejar a lo grande con un show en vivo. Gonza, Javi y la Chini vuelven a los pasillos de Collegium, pero esta vez para charlar sobre su trayectoria como banda, en una Córdoba cambiante y en constante movimiento.

Diez años atrás, las primeras canciones de La Tico empezaban a tomar forma en los pasillos de Collegium, en los recreos y en las mismas clases. Esos primeros acordes y melodías pegadizas serían las semillas de un proyecto incipiente que, con el tiempo, se convertiría en una banda con identidad propia dentro de la escena musical cordobesa.

“Muchas personas de acá de Collegium nos van a acompañar tocando”, cuenta Gonza sobre la fecha aniversario. La historia de la banda está íntimamente ligada a esos años de formación: “En Collegium nos cruzábamos, compartíamos muchos talleres con los pibes de Tecnicatura, también los pibes de Audición, entonces eso también creo que nos llevó a unirnos y a formar una comunidad”.

Y si hay algo que aparece una y otra vez durante la charla es la palabra amistad.

“Somos amigos. Yo siento que tengo cinco hermanos varones más. Nos reímos, nos peleamos, nos enojamos, nos amigamos, la pasamos bien”, , dice la Chini mientras recibe el mate y se lo pasa a Javier.

Entre el mate y el termo se despliega una pequeña coreografía que parece resumir años de compartir ensayos, escenarios, viajes y canciones. Coordinan sin pensarlo, como quien se sabe de memoria los movimientos del otro.

La Tico es una banda de rock argentino de Córdoba Capital, creada en 2015 por músicos formados en Collegium. Su sonido fue mutando a lo largo de estos diez años y recorrió diferentes territorios musicales, transitó los caminos del rock and roll, blues, funk, candombe, murga, punk y folclore. En ese recorrido pasaron por escenarios como Cosquín Rock y La Nueva Generación, además de bares, salas y festivales de Córdoba y la provincia.

“Somos más así como rockeros de la vieja escuela”, cuentan. Aparecen entre sus referencias León Gieco, Viejas Locas, El Bordo y Los Fabulosos Cadillacs, pero también mucho cuarteto y, más recientemente, un creciente interés por el folclore.

“En la primera etapa fue más rock and roll, funk; después fue mutando y pasó a lo latinoamericano y ahora, bueno, estamos más en lo que es un aire folclórico. También hacemos un coro de ‘Vidala para mi sombra’”, explican. Esa búsqueda constante aparece en sus canciones y en sus presentaciones. Los géneros se cruzan, los instrumentos cambian de manos y los roles se transforman. En cada show hay un impulso lúdico fundamental, disfrute e improvisación, que invita al público a estar atentos a qué puede suceder en la canción siguiente.

Los primeros años estuvieron marcados por el impulso de tocar en todos lados. “El objetivo era tocar, tocar, tocar, tocar. Había muchos espacios. El Abasto todavía estaba muy vigente, Güemes era todavía un boceto de lo que es hoy”. Desde entonces atravesaron pandemias, crisis económicas y también la adultez, con sus trabajos, responsabilidades y tiempos cada vez más difíciles de hacer coincidir. Y, sin embargo, siguen encontrándose para hacer música.

En el camino compartieron escenario con bandas como Las Pastillas del Abuelo, Los Gardelitos, La 25, Cielo Razzo, La Chancha Muda y Piti Fernández, además de músicos e integrantes de Viejas Locas, Intoxicados y Callejeros, Gaspar Benegas y Más Sola Que Carola, entre otros.

La banda está formada por Pablo Agustín Gómez (guitarra eléctrica, guitarra española y voz), Gonzalo Argenti (guitarra eléctrica, guitarra española, charango y voz), Sindhy Cerra (voz y accesorios), Javier Ojeda (bajo, quena y voz) y Nicolás Caprari (batería, bombo legüero y accesorios). En sus shows, los instrumentos van pasando de mano en mano y los roles cambian, todos están en movimiento, atentos a sorprender en la próxima canción.

Un auto, una banda y miles de historias

La Tico lleva miles de historias a cuestas y hasta su nombre tiene una historia propia. El responsable es el primer auto de Pablo, guitarra y voz de la banda: un autito similar a un Fiat 147, algo así como un auto payaso en el que se subían todos los integrantes y que los llevaba a todas partes.

“A veces éramos ocho adentro. Empezábamos a juntarnos e íbamos a todos lados en el Tico”, recuerdan. Entre las hazañas del pequeño auto está haber bancado el camino desde Río Grande, Tierra del Fuego, hasta Córdoba. De ahí salió el nombre de la banda y, con él, una parte de la identidad que todavía los acompaña.

Su primer EP, Esperanza Kamikaze, también habla de esa manera de vivir la música. La idea de ser un “kamikaze” al subir a un escenario, de abrir el corazón a nivel personal y artístico y darlo todo arriba y abajo del escenario, pero manteniendo siempre la esperanza.

Un público amigo

Si la amistad es uno de los pilares de La Tico, también lo es el vínculo con su público. “Somos amigos de nuestro público”, dicen. Se buscan, se encuentran y comparten recitales, guitarreadas y momentos que exceden la música.

Las banderas de La Tico, los amigos, el aguante y las historias compartidas forman parte de ese universo. Incluso uno de sus seguidores más fieles decidió tatuarse el logo de la banda. Diez años después, la comunidad que se construyó alrededor de las canciones parece ser otra forma de medir el camino recorrido.

Durante la charla aparece un afiche de hace años: el de uno de sus primeros festivales en Collegium. El Festival Amalgama anunciaba bandas del colegio, una entrada anticipada de 40 pesos, un número de WhatsApp para reservar y Facebook como red social para seguir las novedades. Una pequeña cápsula del tiempo que permite mirar cuánto cambió la escena musical y cuánto cambió también la vida de quienes estaban ahí.

Aprender a hacer música, aprender a hacer comunidad

La conversación vuelve una y otra vez a Collegium. A las materias, los docentes y las experiencias que, con el tiempo, terminaron siendo herramientas para la vida artística y profesional.

“Principalmente Composición fue el puntapié inicial para empezar las composiciones nuestras”, recuerdan. También aparecen las materias de coro, Didáctica y el Concierto Didáctico como experiencias que dejaron huella.

“Todas las materias de coro eran de mis favoritas. Amo la grupalidad en el canto. Las materias de didáctica también, para la docencia. Todo eso, con la Lore, la Belén Silenzi, las prácticas docentes, también fue un gran acompañamiento. Te abrían la cabeza a cómo podías concebir la música en el aula y en el día a día”.

Y hay una experiencia que recuerdan especialmente: el Concierto Didáctico, de la materia Producción Musical. “Para mí fue, y es, de las cosas más lindas de la carrera”, dicen.

Más allá de lo musical, esa experiencia les dejó otro aprendizaje: cómo producir, organizar y sostener todo lo que pasa alrededor de un escenario.

“Te enseña a producir el evento. Ahí está la clave, porque en la escena de rock de Córdoba es medio remar en el barro: te vas curtiendo con el tiempo.”

Para ellos, el Concierto Didáctico fue una primera experiencia de ese aprendizaje. Entender que si sos guitarrista necesitás tener tu amplificador, que un espectáculo implica mucho más que tocar y que arriba de un escenario también hay que aprender a expresarse. En ese recorrido recuerdan especialmente el aporte de Chiqui La Rosa y el trabajo sobre la expresión escénica.

Diez años después de aquellas primeras canciones en los pasillos de Collegium, La Tico sigue haciendo lo que hacía entonces: encontrarse, tocar, probar, escucharse y volver a empezar. Solo que ahora llevan una década de historias, escenarios y canciones a cuestas.

La Tico celebra sus diez años el viernes 4 de septiembre, junto a la banda invitada Cordillera, en Chili Street Club (Fructuoso Rivera 273), a las 19:30.

Producir en Loop

Clarisa Alba Gomez — Wed, 26 Aug 2026 22:46:51 +0000

Cecilia Gonzalez . DJ . Productora . Estudiante de Collegium

Hay un momento, cuando estoy produciendo música, en el que todo parece abrirse con un loop, un bombo o una textura que empieza a crecer. Podría ir para cualquier lado, pero no va para cualquier lado. Hay algo que lo encamina incluso antes de que yo lo decida del todo, como si existiera un mapa invisible de por dónde “debería” avanzar ese sonido. ¿Cuánto de lo que considero una decisión propia ya estaba de alguna forma aprendido de antemano? Esta sensación pone en tensión una idea bastante instalada, la de la creación como expresión puramente individual. En la práctica, producir no es empezar desde cero, sino trabajar con materiales ya cargados de sentido; presets, estructuras, referencias y formas de escuchar que se aprenden en determinados contextos. Cuando abro Ableton y empiezo un track, ¿estoy creando algo nuevo o reorganizando elementos que ya circulan dentro de una cultura musical puntual?

En la escena electrónica no todas las estéticas ocupan el mismo lugar. Algunos sonidos son percibidos como más “serios” o “artísticos”, mientras que otros quedan asociados a lo comercial o superficial.

Como dice Bourdieu, “el gusto es el producto de los condicionamientos asociados a una clase particular de condiciones de existencia”. Entonces ¿por qué ciertos sonidos parecen tener más legitimidad que otros? ¿Quién define qué música merece ser escuchada como arte y cuál queda reducida a entretenimiento?

Producir música implica moverse dentro de un sistema de valoraciones donde algunas prácticas son legitimadas y otras relegadas. Me surge la duda de si ciertas formas contemporáneas de entender el arte no terminan funcionando también como mecanismos de diferenciación y consumo, donde incluso la idea de originalidad puede convertirse en un valor de mercado. En ese sentido, me resulta difícil no percibir que muchas veces estas dinámicas favorecen a quienes ya cuentan con mayores recursos, contactos o posibilidades de circulación. Sin embargo, sigo pensando que gran parte de la necesidad de producir nace de otro lugar; del impulso creativo, del deseo de experimentar, de entrar en un estado de búsqueda y sensibilidad que no siempre puede reducirse a una lógica de éxito. Aunque al mismo tiempo aparece una contradicción inevitable; ¿quién no quisiera tener resuelta la dimensión económica de lo que ama hacer?

Entre la originalidad y la pertenencia: la música como labor colectiva

Si pienso en la música que escucho y que también influye en lo que produzco, aparecen artistas como Vanyfox, Yaeji o NatureBoy, cuyas propuestas combinan distintos lenguajes pero siguen dialogando con marcos reconocibles. En Vanyfox hay una fuerte presencia de lo percusivo y ritmos vinculados al afrobeat; en Yaeji aparecen cruces entre house, ambient y pop; y en NatureBoy, una mezcla entre hip hop y climas más experimentales. Incluso productores como Flying Lotus o Mndsgn, que trabajan desde una lógica más ecléctica, siguen dialogando con géneros y tradiciones musicales. ¿Es posible realmente salir de esas categorías o toda innovación termina siendo absorbida por nuevas etiquetas?

Sin embargo, estas valoraciones no operan en abstracto. Becker propone comprender el arte como el resultado de una actividad colectiva organizada en lo que denomina “mundos del arte” y señala que “los productos culturales son fruto de la labor colectiva”. Desde esta perspectiva, una producción musical no depende únicamente de quien la crea, sino de una red de cooperación que incluye herramientas, circuitos de circulación, públicos e instituciones. Becker también señala que “la cooperación y las convenciones hacen el producto cultural más efectivo y menos costoso”. En la música electrónica esto puede verse en estructuras, tempos, formas de mezclar o herramientas compartidas que permiten que las producciones circulen y sean comprendidas dentro de una escena.

Muchos aprendizajes ocurren también en el “hacer”: escuchando sets, produciendo, compartiendo proyectos o probando sonidos con otros. ¿Cuántas de las cosas que consideramos “mi estilo” nacieron en realidad del contacto con otras escuchas y otras formas de habitar la música?

A esto se suma lo que Becker denomina “inercia”, es decir, la tendencia a reproducir formas ya establecidas porque “modificarlas implica costos materiales, sociales y simbólicos”. Quizás por eso muchas producciones contemporáneas parecen moverse constantemente entre la búsqueda de originalidad y la necesidad de pertenecer, pero ¿qué espacios permiten que ciertas sensibilidades existan y otras no? quizás producir música hoy sea valorar y reconocer que las decisiones que tomamos no son realmente propias, sino ecos de un sistema que ya estaba sonando antes de que empezáramos a crear. En lo personal siento que ya todo esta creado, pero aun sabiendo esto podemos y debemos continuar produciendo arte en lo amplio de la palabra, porque el fin no es ser “disruptivo” o ser “exitoso”, ni hacerse viral en redes, sino conectar con la creatividad que tanto necesitamos para sentirnos vivos más allá del propósito de crear arte que fusione distintos estilos.

Este ensayo forma parte de un conjunto de textos producidos por estudiantes en el marco del seminario Arte, Cultura y Sociedad del Profesorado de Collegium.

Referencias bibliográficas

Becker, H. S. (2009). El poder de la inercia. Material de cátedra.

Bourdieu, P. (2010). El sentido social del gusto. Siglo XXI Editores.

Ellison, S. [Flying Lotus]. (2021). Yasuke [Álbum]. Warp Records.

Mndsgn. (2016). Body Wash [Álbum]. Stones Throw Records.

NatureBoy Flako. (2015). Eclosure (Extended) [Álbum]. Natureboy; Five Easy Pieces.

Vanyfox. (2018). CrazyBoy, Vol. 1 [Álbum].

Yaeji. (2020). WHAT WE DREW 우리가 그려왔던 [Álbum]. XL Recordings.

¿El fin de las guitarreadas?

Clarisa Alba Gomez — Wed, 26 Aug 2026 22:02:24 +0000

¿Cómo escuchan música les jóvenes de hoy? ¿Cómo construyen sus referencias y preferencias? ¿Cómo se arma su identidad musical?

Nano Onetti Profesor de Lenguaje Musical III y Folklore musical argentino

La guitarreada

“¡Pero esa palabra le cambia el sentido completo a la canción!”, me dice una amiga después de que yo cante –súper convencido y apasionado– el estribillo de Yegua de Babasónicos. Yo decía “Marcando límites”, mientras que la letra original dice: “No acato límites”. Y sí… un poco cambia el sentido. Otro conocido que estaba en la ronda también la cantó así, de forma equivocada, y me miró con complicidad. Si supiera la cantidad de veces que lo dije así, pienso.

¡Cuántas canciones conocí en espacios como esos! Muchas, de muy chico, y que ya son propias hace añares. Autores y discos completos. Algo de mi propio gusto musical se fue moldeando entre unas cervezas, un cajón peruano medio roto y el tío que siempre canta las mismas. Cuántas miradas cómplices con otras personas por cantar por insistir en el mismo error en el estribillo, sabemos que no sabemos bien la letra, e incluso ya hay un nuevo código establecido en ese sentido. Lo que pasa ahí, al calor del fogón, la música compartida de manera espontánea, difícilmente sucede de otra manera. En ese momento de ronda estamos abiertos a que la música nos llegue distinto, de otras formas. Es irreductiblemente diferente a escuchar una grabación, porque cuando suena una canción en la ronda, se pasa por el cuerpo, se simplifica o complejiza, se filtra por la memoria de los asistentes, se resignifica, se redescubre. Así como la canción cambia, también nuestro universo cultural y referencial se expande.

“En este tiempo ese sagrado espacio de encuentro está en peligro de extinción. La juventud está en otra historia ya que no han vivido la experiencia única que vivimos nosotros, generaciones +30, de juntarnos a guitarrear. Y claro, si es la manera que vivimos nosotros, es la mejor, así que he aquí una invitación a ponernos a subvertir esta devastadora realidad”. Bueno, aclaro, el anterior párrafo es una gran ironía que viene a, justamente, sacar el velo romantizador y sacralizante del pasado. Si creyera en esta afirmación, pensaría que una sola manera de conocer y vivir la música es la única posible y la única deseable. No va por ahí. Pero, al mismo tiempo, no tener una mirada de que todo tiempo pasado fue mejor no nos quita la posibilidad de comparar, pensar y problematizar cómo escuchan música les jóvenes y adolescentes hoy, y qué efectos produce, tanto en lo estrictamente musical como en lo social y en lo político.

Lo cuantitativo

Hace 15 años mi yo de adolescente músico y melómano tenía la falsa idea de querer conocer todo. Época de MP3, Ares, Emule, CD’s numerados (más de 200 en mi caso), con 10 discos MP3 adentro de cada uno. Era jazz, era rock, era folklore, pop, soul, clásica, brasilera. Esa idea de querer escuchar todo lo que hubiera para oír.

Siempre hay mucha más música. Parece una obviedad, pero el resultado arroja datos determinantes: por día se suben, solo en Spotify, 100 mil canciones; si las canciones tuvieran en promedio 3 minutos, son 208 días consecutivos de música en un solo día. En un mes —e insisto, solo en Spotify— se suben 17 años de música.

Nadie llegaría, en toda su vida, a escuchar toda la música que se subió a internet en los últimos 2 meses. Esto genera que hoy en día nadie pretenda o fantasee “conocer todo”, y surge la pregunta: ¿Hay menos curiosidad? ¿Hay menos curiosidad como consecuencia de la resignación que produce no poder escuchar, y mucho menos entender y disfrutar, lo que pasa en tantos nichos musicales al mismo tiempo?

Lo fragmentario

Fui a un colegio de Córdoba con especialidad en música, Collegium, institución en la que ahora formo parte como docente. Allá por 2007/08, en mi curso construíamos nuestras identidades muy fuertemente vinculadas a los gustos musicales: estaban los metaleros del heavy y hardcore, los cuarteteros y cumbieros, los hippies del reggae y rock nacional y los poperos. Por supuesto que dichos rótulos no son estancos y probablemente alguien más pueda contar otra versión de estas etiquetas, no obstante sirve para ilustrar; síganme un poco la corriente… Hoy en día, en mi trabajo con adolescentes, veo que la identificación con la música continúa, pero al mismo tiempo hay más posibilidades, más rótulos disponibles. Solo algunos ejemplos: en las aulas de hoy conviven chicos que les gusta mucho el indie argentino, otros escuchan rap/trap, otro pop en inglés, rock nacional, internacional, k-pop, j-pop, gaming music, anime, y un sinfín de etc. Muchas de estas son posibilidades que hace 15 años no existían en nuestro país.

Todos los años realizo una actividad que consiste en armar una Playlist entre un curso, con canciones que sean importantes para la vida de cada uno de los chicos: tienen que justificar lo que representan para ellos, de manera totalmente subjetiva. Los resultados son muy interesantes: más de 100 canciones con una variedad llamativa. Se pueden detectar ciertas huellas generacionales (padres que vivieron los 90 y 00). Pero, acá hay otra diferencia y otro sello distintivo de los pibes de hoy: se despegan un poco más de la herencia musical. Están menos influenciados por los gustos de los padres, tíos, hermanos, abuelos, etc. Ahondar en esto es un tema para otro texto, pero me animo a decir que hay una distancia mayor entre esta generación (tener todo al alcance de un click), respecto de las propias diferencias entre las generaciones anteriores del cassete (años 80), CD (años 90) y MP3 (años 2000).

El aspecto algorítmico es otro gran elemento sobre el cual no voy a profundizar, sin embargo, quisiera señalar el rol clave que están teniendo, en las formas de consumir música, las Playlist. Es ahí donde el famoso algoritmo juega su partido más efectivo y goleador.

Podríamos sintetizar estas ideas en que los pibes, para construir sus gustos y preferencias musicales, tienen menos de herencia y tradición, y más de sociabilidad y de algoritmo.

Lo temporal

— Tío, ¡esa canción es re vieja! –me dice mi sobrina, porque presupongo que la canción que estoy poniendo en la radio es una que seguro que ella conoce. Claro, es una canción de hace 6 meses, es re vieja. La industria de la música de hoy maneja un contenido fuertemente segmentado y, como pasa con lo audiovisual, los medios, los memes, la política, la popularidad dura poco.

La cultura de la viralización es una máquina del tiempo poderosa que avanza y determina intervalos de éxito cada vez más cortos. Podemos pensar en un cierto paralelismo entre un disco hace 30/40 años, una canción hace 10/20 años y, actualmente, un fragmento de un tema que se usa para los challenge de Tik Tok. Lo que “pega”, lo que marca la popularidad y el consumo masivo, pasó de durar 30 minutos a 15 segundos. Los pibes saben el estribillo, la parte del challenge, porque lo ven docenas de veces, pero tal vez nunca escucharon la canción completa —que seguramente no dura más de 3 minutos—.

Teniendo en cuenta esto, los temas son menos “guitarreables” dado que es menos frecuente saberse la canción completa. ¿No les pasa que en un momento guitarrero, más allá de que conozcamos música de los últimos años, casi siempre es más efectivo ir a los “clásicos” de los 80/90/00?

La caída de los universales

Siempre fui guitarrero. Ocupé ese lugar desde los 13, 14 años cuando nos juntábamos cuatro o cinco personas en casa a merendar y a tocar y cantar las poquísimas canciones que sabíamos y estábamos aprendiendo. Después, en el colegio de música, potencié muchísimo más esa faceta —hasta llevamos la guitarra al viaje de egresados. En la facultad, al calor de la militancia estudiantil, llegaron tal vez los puntos más altos y las noches más largas. Recuerdo tocar hasta 5 o 6 horas seguidas, calambre de muñeca y dolor en la yema de los dedos incluidos. Solo no, siempre había alguien más; algunos cantaban —no es un talento mío en particular—, y con el correr de las horas y los brebajes ya no importaban tanto las notas ni la afinación sino la sensación de comunidad y sentido de pertenencia que da cantar con otres las mismas canciones.

En el terciario de música, en el que doy clases a estudiantes con edades entre 20 y 30 años, pregunto: “Che, ustedes cuando se juntan a tomar algo, ¿tocan la guitarra y cantan?” La respuesta negativa es unánime. No hay ninguna actitud de desdén, simplemente a nadie se le ocurre hacerlo. Misma pregunta a pibes más chicos, misma respuesta. Y si lo hicieran, me pregunto: ¿habría muchas canciones sabidas por todos?

Un repaso rápido por décadas hace pensar que si naciste en Argentina y viviste los 70 (la década de los vinilos) y estuviste presente en alguna guitarreada, algo de Sui Generis, Spinetta, Silvio Rodríguez o el Club del Clan haya sonado. En los 80 (la década de los casettes) tal vez hayan sido Charly, Serrat, Los redondos, Soda. En los 90 (la década de los CD’s), Calamaro, Bersuit, Gilda, Rodrigo, LuisMi. En los 00 (la década de los MP3), Decadentes, Callejeros, Shakira, Miranda, Daddy Yankee. En los 10 (la década del streaming) ya no quedan tan claros los casos, tal vez algo de El Kuelgue, El Mató o Conociendo Rusia, pero cualquiera de ellos es incomparable a la masividad de las bandas y artistas nombradas en décadas anteriores. Este pequeño repaso, absolutamente parcial, tal vez ilustra cómo a esta altura hay cada vez menos universales.

Las canciones

Hay algo que también sucede hoy y tiene que ver con lo específicamente musical. Nos encontramos, cada vez, con menos instrumentistas; hay menos guitarristas, pianistas, saxofonistas, bateristas, etc. Al mismo tiempo que resulta cada vez más importante la figura del productor (BZRP por caso) y del cantante. Los invito a hacer un ejercicio: tomen el top 50 de Spotify del momento en que leen esto y de esas canciones traten de nombrar a 5 instrumentistas. Difícil. Algo de esta transformación musical, en menos instrumentos, hace quelas canciones sean menos “guitarreables”. En este sentido, Duki, Wos, Nicki, Lali, María Becerra, Bad Bunny, Dillom y sus canciones son, en promedio, más difíciles de “resolver” con 1 o 2 instrumentos que artistas top del mainstream de hace 15 años, que ocupan un lugar similar: Abel Pintos, Miranda, Axel, Ciro o los reggaetoneros. ¿Discutibles los ejemplos? Sí, claro, como todo esto y de eso se trata.

Los pibes, por tener acceso a la música de todo el mundo y de hace 100 años hasta a hora, no escuchan necesariamente más cantidad y variedad de música. Si bien hoy probablemente haya mucha más variedad de géneros, orígenes e idiomas en la música que escucha un mismo grupo social de jóvenes, eso no se traduce linealmente en que cada pibe escuche más diversidad. La música se ha atomizado. Donde había decenas, ahora hay cientos de islas o nichos y eso produce consecuencias que no sabemos hacia dónde nos llevarán, pero que sin lugar a dudas cambian radicalmente los modos de vincularse con la música. Hoy estamos más cerca de una realidad en la que no hay universales, cada persona escucha una música distinta creada a su medida (¿Por una IA tal vez?), y en la que ya no encontramos lugares comunes donde se compartan canciones, como las guitarreadas, quizá porque no hay canciones comunes, “una que sepamos todos”.

Este artículo inicialmente fue publicado en La Tinta

“Se puede educar desde la ternura de estar en un escenario”

Clarisa Alba Gomez — Wed, 12 Aug 2026 22:11:38 +0000

Pilar Piñero es estudiante del Profesorado de música en Collegium e integrante del elenco Acuarela, un grupo de teatro musical dedicado a las infancias. Actualmente, están haciendo el espectáculo La Fórmula Secreta, que pone en valor a los héroes cotidianos de nuestras vidas. Se centra en las aventuras de Clara, una niña creativa y alegre que, guiada por su deseo de ser heroína, se embarca con sus amigas en la búsqueda de la fórmula secreta que le dará superpoderes. Pilar nos cuenta que el elenco Acuarela nace del encuentro con amigos y amigas que buscaban componer colectivamente para niñeces. De juntarse y ver conciertos y obras didácticas pensadas para infancias, pero sobre todo, de pensar en “la potencia del aprendizaje que estas pueden tener”.

Hablamos del desafío de preparar obras para infancias, que despierten curiosidad, asombro, que no les subestimen. “Pensamos mucho en no ser tan literales con lo que queremos decir, porque los chicos entienden mucho”, cuenta. De lo inesperado del escenario, y cómo todo el tiempo buscan repensar y aprender con las infancias:

“Yo creo que es un aprendizaje constante. Primero, partiendo del hecho de ser conscientes de que los chicos tienen mucho que contar, quieren ser escuchados y tienen esa capacidad de ser críticos. Y son un público crítico. Si algo no les gusta, te lo hacen saber también”

Pilar sonríe y parece recordar las reacciones de los niños y niñas para quienes se han presentado: “Es un público tan genuino que muestra en su cara y, a veces, en sus comentarios, cuando algo le gusta, cuando algo no le gusta, uno va aprendiendo en la marcha”

Ser docente desde la afectividad

“No es sin afectos ni emociones que sucede la educación” la frase de la investigadora Ana Abramowski es tomada como bandera por el elenco Acuarela. Y la llevan a la práctica en cada presentación. Se hace presente el rol de la docencia, y el lugar de la afectividad para construir potentes lazos de aprendizaje.

Pilar resalta:

“La educación no sucede sin lo afectivo. La educación no sucede sin que se comprometan los afectos. Entonces, yo siento que el arte tiene una capacidad para comprometernos afectivamente, lo que facilita mucho y nos vuelve más permeables a que ocurra ese hecho didáctico, ese aprendizaje.”

Desde este lugar, las emociones están inscritas dentro de un espacio colectivo, en continua relación con otros. Y pensarse como sujetos implica reconocer el vínculo con el otro. “Pensarnos como sujetos y cómo esto impacta en no solo lo que me está pasando a mí, sino todo el contexto que hay alrededor. Todo el contexto que hay alrededor va generando espacios para hacer puentes”, reflexiona.

Su mirada sobre la educación y los vínculos también atraviesa su formación como docente. En este recorrido, la formación en Collegium aparece como un espacio que le permitió profundizar y poner en palabras muchas de las preguntas que ya estaban presentes en su experiencia artística: “Yo si bien tenía capaz un entendimiento más práctico de lo que era justamente trabajar con y para infancias, me faltaba un marco más teórico”.

En el profesorado, esas experiencias comenzaron a dialogar con nuevos conceptos: “Acá en el profesorado me choqué con materias como Pedagogía, Sujetos de la Educación, una materia hermosa en la que justamente nos planteamos mucho cómo se constituyen los sujetos y, sobre todo, ahora estamos haciendo un énfasis en infancias y es sumamente interesante”, explica.

“Psicología, Didáctica, bueno, todas materias en las que permanentemente estamos poniendo el foco en todos esos procesos formativos y, sobre todo, en infancias, que creo que tal vez me dio otras herramientas que yo no tenía o, por lo menos, no tenía un entendimiento tan profundo, como siento que lo estoy haciendo ahora”, agrega.

Entre los shows con infancias, la formación docente en las aulas de Collegium, se construye una mirada de la educación como un encuentro con el otro. Donde aprender es una experiencia comprometida, viva y en movimiento. En la que el arte y la docencia se encuentran en la posibilidad de generar vínculos y construir aprendizajes desde lo afectivo.

¿Por qué hablar de infancias?

Clarisa Alba Gomez — Mon, 10 Aug 2026 22:08:59 +0000

Luz Cordeiro Didáctica de la Música Nivel Inicial y Primario Práctica Docente III y Residencia

Hablamos de infancias, en plural, para distinguir este concepto de la idea de niñez: no son sinónimos. Decir “Infancias” refiere a una forma de estar en el mundo, a una posición, a una forma de habitarlo; no simplemente a una condición etaria. Si asumimos o planeamos asumir la tarea de educar en este hermoso y sorprendente campo de las infancias, es importante reconocer este punto de partida: ¿quiénes son los destinatarios de nuestras propuestas, qué características presentan? También implica poner en cuestión algunas categorías del mundo adulto, de acuerdo a las cuales las infancias se consideran como seres inacabados, ignorantes, inocentes, incapaces de comprender lo que sucede a su alrededor y de tomar decisiones.

Chiqui Gonzalez, gestora cultural, docente y creadora del proyecto La ciudad de los niños, nos dice:

“Si pudiéramos recordar esa forma de habitar la existencia, nos nutriríamos de un tiempo sin tiempo, espacios para descubrir, una predisposición notable para aprender con los sentidos, propia del pensamiento perceptual. Reconoceríamos al juego como un dispositivo para inventar realidades, para alcanzar la creación, poniendo en acción los mundos poéticos y los múltiples lenguajes”.

Podemos afirmar, entonces, que al momento de generar políticas públicas, propuestas artísticas, escolares y musicales resulta imprescindible hacerlo desde las infancias, sin intentar permanentemente que se conviertan en adultos lo más rápidamente posible. Los niños no son ignorantes, tienen una lógica propia, una manera única de leer el mundo y de transformarlo: principalmente, jugando. Son sujetos de derechos, capaces de transformar su entorno y de crear. No tienen esta división tan tajante de los adultos entre cuerpo – mente, práctica y teoría. Aprenden y experimentan con todo su ser. ¿Acaso no debiéramos parecernos más a ellos?

¿Qué implica enseñar música a infancias?

Hoy en día, el acto de enseñar implica comprender que no hay recetas para hacerlo, aunque a veces las busquemos. Que las propuestas pueden funcionar muy bien en algunos grupos o espacios pero también pueden resultar un fracaso en otros. Educar es una tarea en la que debemos asumir riesgos.

Enseñar música implica hacerlo desde un lugar de respeto y honestidad, que se traducen en estar lo más preparados posible para compartir una clase y también en aceptar y valorar la diversidad: en los modos de aprender, en las habilidades, en las preferencias musicales de nuestros estudiantes. Implica saber escucharlos, saber cómo están, quiénes son.

Significa generar propuestas creativas y participativas que los motiven (¡y nos motiven!), a veces con recursos materiales que son escasos: no en todas las escuelas hay una sala de música, ni instrumentos, equipos de audio, televisores, etc.

Requiere dedicar tiempo a pensar qué músicas ofrecemos, cómo lo hacemos, desde qué perspectivas. También a reflexionar sobre qué músicas silenciamos. ¿Qué mundos están muteados, cuáles habilitamos?

En este sentido, refiriendo a la nutrición cultural de las infancias Julio Brum, músico y educador uruguayo, plantea ideas interesantes:

“Vincular arte, educación y políticas públicas debería motivarnos para pensar cómo promover esencialmente una ciudadanía capaz de expresar sus sentimientos, de elaborar sus pensamientos, de defender creativamente sus ideas y sus proyectos de vida, para su desarrollo pleno como seres humanos y como comunidad. Esta es una pugna fundamental para concebir la libertad y la solidaridad como forma de construir un mundo que nos identifique, nos involucre y nos convoque”… Debemos resolver el desafío de que nuestras infancias se nutran con herramientas conceptuales y sensibles que les permitan trascender el maltrato y distorsiones que genera la lógica del mercado en la cultura; reduciéndola frecuentemente a la idea de entretenimiento y educando sistemáticamente para el consumo compulsivo y acrítico de bienes o de información”.

En este sentido, ser docente también precisa reconocernos como transmisores de cultura. Asumir el rol de curadores, de mediadores entre los bienes culturales y nuestros estudiantes; con la convicción de que es necesario democratizar el acceso al conocimiento y a la belleza.

Enseñar música a infancias hoy implica, probablemente, sentir agotamiento. Porque no son pocas las veces en que fuera del aula seguimos pensando actividades, alternativas, otras maneras de hacer. Buscando canciones, juegos, ensayando el repertorio, preparando arreglos. Pero toda la tarea cobra sentido cuando la clase se convierte en el momento esperado de la semana, en un espacio donde se habilitan nuevos mundos y donde se puede hacer música con otros.

Toma este mundo, cuídalo.

Es una cosa seria y es una simple cosa.

Conquístalo, contémplalo, ámalo para siempre,

musical niño mío,

predilecto del pan y de la rosa.

Te lo regalo, es tuyo.

Y te regalo un barco

y te regalo un barco dentro de una botella.

Una bota de vino

que vino del Mesón del Segoviano.

Un farol marinante.

Las golondrinas y las mariposas.

Una sirena anclada en el estante.

La bandalisa de los circos pobres.

La luna en el espejo.

Un mapa, un numeroso y palpitante mapa,

un mapa con las rutas

que siguiera Juancito Caminador, tu viejo.

La Esperanza.

Y una caja de música que traje de la estrella.

Toma este mundo, tómalo. ¡La vida es vasta y bella!

Mira siempre allá lejos, hijo mío… Allá lejos.

Raúl González Tuñón (1955)

¿Cómo inscribirse en la Junta de Clasificación Docente de Córdoba?

Clarisa Alba Gomez — Fri, 26 Jun 2026 22:50:20 +0000

Si ya terminaste el profesorado y querés empezar a tomar horas, esta guía te explica cómo inscribirte en la Junta de Clasificación de Nivel Secundario de Córdoba paso a paso.

El proceso tiene 3 etapas:

Apertura de legajo (una sola vez)
Actualización de antecedentes (todos los años)
Inscripción en escuelas para figurar en la LOM (todos los años)

Paso 1 – Apertura de legajo en la Junta de Clasificación

El trámite se realiza a través de CIDI (Centro de Interacción Digital). Ingresá a:

Junta de Clasificación de Nivel Secundario → Gestionar Antecedentes → Registrar Antecedentes

Necesitás contar con título secundario, terciario o universitario.
Todos los archivos deben estar en formato PDF.

💡 ¿Todavía estás cursando el profesorado? También podés abrir tu legajo. En “Títulos” adjuntás el analítico del secundario y en “Estudios Parciales” registrás la carrera en curso.

Paso 2 – Actualización de antecedentes docentes

La actualización se realiza todos los años dentro del período de convocatoria. Desde el sistema CIDI podés cargar y actualizar:

Títulos
Antigüedades docentes
Formación pos-inicial
Estudios parciales
Publicaciones, comisiones y becas
Concepto profesional docente

⚠️ Recomendación: actualizá tus antecedentes apenas abra la convocatoria. El sistema suele colapsar cuando hay mucha demanda.

Paso 3 – Inscripción en escuelas para la LOM

La inscripción se realiza todos los años, generalmente entre mediados/fines de abril y mediados/fines de mayo.

Podés inscribirte en hasta 3 escuelas y hasta 5 espacios curriculares en cada una.
También podés inscribirte en escuelas con PIT (Programa de Inclusión y Terminalidad 14-17).
Consultá el alcance de los títulos año a año: Ver Alcance de Títulos LOM 2027

💡 Atención: en el sistema pueden aparecer asignaturas con el mismo nombre pero distinto código. Verificá bien el código antes de inscribirte.

Links útiles

¿Tenés dudas? ¡Escribinos!

ESCUCHA: el nuevo newsletter del Nivel Superior de Collegium

Clarisa Alba Gomez — Thu, 25 Jun 2026 22:33:31 +0000

El Nivel Superior de Collegium presenta ESCUCHA, un nuevo newsletter pensado para seguir fortaleciendo el vínculo con la comunidad educativa. A través de este espacio compartiremos artículos, recomendaciones musicales, agenda de actividades, novedades institucionales y producciones especiales.

La primera edición llega el 2 de julio y ya podés suscribirte para recibirla directamente en tu correo.

¿Cómo suscribirse?
Es muy simple, podés hacerlo de dos maneras:

📲 Escaneando el código QR de la imagen.
🔗 Ingresando a este enlace: Suscribirme a ESCUCHA

¡Sumate y sé parte de este nuevo espacio de comunicación!

DESPEGUE – Concierto de Nivel Superior y Talleres

collegiu — Thu, 25 Jun 2026 01:39:29 +0000

🎶 **DESPEGUE** ✈️

Toda la música de esta primera mitad del año levanta vuelo.

Los talleres musicales y el Nivel Superior de Collegium se encuentran en Pulqui para compartir el trabajo realizado durante estos meses: ensambles, solistas y propuestas musicales en dos escenarios, con las puertas abiertas a toda la comunidad.

Una oportunidad para escuchar, encontrarnos y conocer lo que hacemos.

📍 Pulqui Industria Cultural — Rodríguez Peña 455

📅 1 de julio

🕢 19:30 hs

Entrada libre y gratuita.

Bono contribución sugerido: $5000

¡Te

esperamos! 🎵✨

Imaginar un renovatorio de música

Clarisa Alba Gomez — Thu, 11 Jun 2026 22:41:56 +0000

Conversamos con Carmen Baliero

¿Qué pasaría si la enseñanza musical partiera del sonido antes que de la norma? ¿De la curiosidad antes que del acatamiento? ¿Del deseo antes que de la técnica?

Nos sentamos a conversar con Carmen Baliero y Claudio Bazán alrededor de estas preguntas y de una palabra que abre múltiples caminos: renovatorio. Una idea heredada del compositor y pedagogo uruguayo Coriún Aharonián que propone pensar la educación musical desde la renovación permanente de la escucha, la sensibilidad y el pensamiento crítico.

A lo largo de la charla aparecieron temas tan diversos como la escucha del entorno sonoro, el lugar del timbre en la construcción de sentido, las jerarquías que determinan qué músicas son consideradas legítimas y cuáles quedan relegadas a la categoría de lo exótico, y la necesidad de ampliar nuestros imaginarios culturales más allá de los modelos heredados.

Lejos de pensar la música únicamente como técnica o repertorio, Carmen y Claudio invitan a preguntarnos por las formas en que aprendemos a escuchar. ¿Qué sonidos reconocemos como música? ¿Qué experiencias quedan fuera de nuestros marcos de percepción? ¿Qué sucede cuando la enseñanza se organiza alrededor de la obediencia a ciertas reglas antes que alrededor de la curiosidad y el deseo de explorar?

De ahí surge la idea del renovatorio: no conservar tradiciones de manera acrítica, sino abrir espacios para la experimentación, la pregunta y el encuentro con otras formas de producir conocimiento. Una invitación a escuchar el mundo con más atención, más amplitud y menos prejuicios.

A continuación compartimos la conversación completa.

Pensar sonando: Piezas sonoras y decolonización musical

Clarisa Alba Gomez — Thu, 11 Jun 2026 21:42:59 +0000

¿Qué sucede cuando escuchamos por fuera de las formas que aprendimos a reconocer como música?

Las piezas sonoras que compartimos a continuación parten de esa pregunta. Realizadas en el marco de los espacios Arte, cultura y sociedad y Tecnología analógica y digital en la música, coordinados por Ana Rubio y César Alarcón durante el año (completar), estas producciones exploran la creación sonora como una forma de investigar, experimentar y abrir la escucha hacia otros modos de percibir y construir el mundo.

Son producciones que usan la creación sonora como una forma de investigar y experimentar en torno a la decolonización musical y al uso de nuevas tecnologías digitales: grabaciones de entorno, músicas de las vertientes de pueblos originarios, africana y oriental, creación de texturas, formas expresivas, ritmos, fraseos, técnicas vocales y maneras de decir que no responden a los modelos europeos de organización musical. Lo que une a todas es una misma apuesta: que escuchar también puede ser una manera de desarmar jerarquías y abrir nuevas sensibilidades en torno a universos sonoros que han permanecido históricamente subordinados o invisibilizados por no ajustarse a los criterios de validación.

La noción de pieza sonora permite correrse de categorías más rígidas asociadas a la tradición académica occidental, como la obra cerrada, la partitura como soporte central o la organización tonal como principio ordenador. En cambio, habilita pensar producciones abiertas, híbridas, experimentales y atravesadas por múltiples materialidades: registro documental, manipulación digital y montaje.

“Pensar sonando” implica asumir que enseñar música no es solamente transmitir técnicas o repertorios, sino intervenir en la formación de la sensibilidad, el pensamiento crítico y el posicionamiento cultural. Supone habilitar experiencias donde los y las estudiantes puedan reconocerse como productores de conocimiento, en diálogo con otras epistemologías y otras formas de escuchar el mundo. Lo decolonial no reside solamente en sumar repertorios periféricos al canon, sino fundamentalmente en revisar las categorías desde las cuales decidimos qué es música, qué merece ser enseñado y quiénes son reconocidos como sujetos capaces de producir conocimiento musical.

Vale la pena darse el tiempo de escucharlas con auriculares.

Compartimos aquí las producciones realizadas durante la experiencia.