Collegium – CEIM

Newsletter – Latinoamérica suena diversa

collegiu — Wed, 07 Oct 2026 21:51:41 +0000

Empieza octubre y les traemos, a toda nuestra querida comunidad de Collegium, el trabajo de nuestros estudiantes y profes.

Esta vez nos ponemos la camiseta de nuestra Latinoamérica diversa, la de músicas y sonidos otros, desafiantes, diferentes. La que se anima a ser cumbiera, rebelde ante los algoritmos y a sonar bien cerquita de la comunidad local.

En esta edición vas a encontrar el ensayo de un estudiante, una entrevista a un director de orquesta hecha por dos estudiantes, la charla con un egresado de acá, lo que anda leyendo la biblio y, como siempre, nuestra agenda de eventos y recomendaciones.

Pasá, ponete cómodo y súmate a la ronda. 🥁💜

Rockeros, Bonitos, Educaditos

El ensayo que vas sa leer a continuación nació de una conversación en un bar.

En Arte, Cultura y Sociedad , un seminario del primer año del Profesorado de Música, nos interesa pensar el arte allí donde aparece, en las experiencias cotidianas, en un galpón o en el museo; en aquello que escuchamos, que nos conmueve. Porque hablar de arte no es una actividad reservada a especialistas, es también preguntarnos por aquello que valoramos y por las razones que intervienen en esas valoraciones.

Luego de recorrer y revisar distintos materiales y perspectivas sobre arte, cultura y sociedad, la propuesta es escribir un ensayo. En este recorrido, pensar el lugar de enunciación no refiere simplemente al lugar físico o individual desde el cual alguien habla, sino a las condiciones históricas y socioculturales que atraviesan toda producción de conocimiento. La memoria sociocultural, la historia local y las experiencias vitales forman parte de aquello desde lo cual se construyen las preguntas y se producen sentidos. En este marco, la apuesta por la pluriversalidad pone en cuestión la posibilidad de un saber descorporeizado y deslocalizado, producido desde un supuesto lugar neutral.

Quizás por eso resulte tan significativo que este ensayo nazca en un bar, de una conversación con una compañera de trabajo. Un intercambio sobre la cumbia villera, el punk y el metal que siguió resonando en Facundo. Rockeros, bonitos y educaditos es, en ese sentido, un escrito situado. Una reflexión que se construye desde una memoria musical y desde un lugar que se reconoce como sudaca.

Al leerlo, sentí que de algún modo me incorporaba a aquella ronda. Me movió músicas, sentires, recuerdos y también mi propia posición alrededor de estos temas. Porque este texto no solo habla sobre música; invita a conversar sobre música. La conversación que comenzó en aquel bar sigue abierta, ahora con quienes se acerquen a leerla.

Súmense a la ronda.

Ana Rubio

Descubrí todos los ensayos y una excelente selección musical acá.

La maquetación del material estuvo a cargo de Antonella Torres.

"Nos obligan a escuchar siempre lo mismo"

María Massara y Gimena Chendo, estudiantes del Profesorado de Música, conversaron con Damián Torres, director de la Orquesta Provincial de Música Ciudadana.

Hablan de tango poco conocido, de arreglos que se discuten cara a cara en el ensayo y de una música que resiste al algoritmo.

La entrevista se hizo en el marco de la materia Músicas Urbanas. Y atención: Damián subirá al escenario el 8 de octubre, en el Teatro Comedia. Más abajo, en la agenda, están los datos.🎵

“Como artistas también somos antenas, somos radares”

Alejo Villarroel es bajista, egresado de la Tecnicatura Superior en Instrumento de Collegium y de Berklee College of Music, en Boston. En esta charla nos cuenta cómo cambió su idea de Latinoamérica, qué se lleva de las instituciones y por qué crear música implica habitar los espacios y las épocas, no solo observarlos.

Hablamos de la importancia de los distintos trayectos de formación y de la búsqueda de autonomía en ellos. Elegir diferentes espacios para aprender, profundizar lo mejor posible y hacerse cargo del propio recorrido. Una conversación sobre formación, comunidad y escucha atenta

Lo que la biblio está leyendo

¿Qué compositoras de Latinoamérica podés nombrar de memoria? ¿Y de tu propia ciudad? ¿Cuántas obras instrumentales escritas por mujeres tocaste o escuchaste este año? ¿Qué repertorios se te quedaron afuera de tus playlists de siempre?

Si alguna de estas preguntas te dejó pensando, el libro de este mes es para vos: Emmbra – Escritas Musicais de Mulheres Brasileiras , un songbook que reúne obras de 44 compositoras brasileñas de la escena instrumental de este siglo. Un libro para hojear con el instrumento a mano, leer, tocar y descubrir.

¿Dónde están las mujeres en la música instrumental? Aline Gonçalves , flautista y profe, salió a buscarlas y las reunió en un mismo lugar. Nos recuerda que Latinoamérica también es todo lo que todavía no se escucha lo suficiente, y que darle lugar a otros repertorios es una forma de rebeldía ante los algoritmos.

Si tenés ganas de tocar algo distinto, pasá por la biblio y llevátelo. Y si querés escuchar antes de leer, hay una playlist en Spotify con la misma selección.💛

📚 Está disponible en la biblio.

Pasate a buscarlo💟

Agenda

En esta oportunidad, Graciela Rodriguez, profesora de la materia Producción artística nos deja sus recomendaciones para este mes. ¡Agendá, que se viene un octubre movidito a puro ritmo! 🥁💛

Este mes el concepto es Latinoamérica diversa: ritmos, tambores, palabras y canciones que cruzan el Río de la Plata, el Caribe y el Litoral y llegan hasta Córdoba.

“Borges y Piazzolla”, Chacho Marzetti & Damián Torres quinteto.
En el marco del 40 aniversario de la muerte de Jorge Luis Borges, el espectáculo recorre poemas y fragmentos narrativos del escritor argentino con piezas emblemáticas de Piazzolla, en una construcción escénica donde la palabra y la música se alternan y se superponen sin subordinarse una a la otra.
Marzetti aporta su experiencia como intérprete de textos literarios mientras el quinteto liderado por Damián Torres despliega el repertorio de Piazzolla con una formación que retoma la instrumentación característica del compositor, entre ellas el bandoneón, el violín, el piano, la guitarra y el contrabajo, articulando así una escucha que va del tango tradicional a las formas más experimentales que Piazzolla desarrolló a lo largo de su obra.🎵
Producción a cargo de Archivo Vagabundo proyecto de documentación y producción en torno a la trayectoria radial de Jorge Chacho Marzetti.
📍 Teatro Comedia , Rivadavia 254 · Jueves 8 de octubre, 20 h · Entradas en boletería del teatro (martes a viernes de 10 a 14 h) y por Ticketek.🎼
Cortópolis 2026, Festival Latinoamericano de Cortometrajes . Para celebrar sus 20 años, Cortópolis vuelve a convertir a Córdoba en la ciudad de los cortos. Cuatro días de cine latinoamericano en toda su diversidad: ficción, animación y documental, con obras locales, nacionales e internacionales, competencias latinoamericana y cordobesa, retrospectivas y funciones especiales.
La apertura incluye una intervención musical del dúo Ampatu, del pueblo-nación Diaguita Calchaquí, y la programación suma encuentros con cine cordobés de archivo. El festival cierra con la premiación y una función de películas premiadas.🎬
📍 Cineclub Municipal “Hugo del Carril”, Blvd. San Juan 49 · Del jueves 1 al domingo 4 de octubre · Programación en cortopolis.com.ar.🎞️
“Al sol”, presentación del disco de José Luis Aguirre. Una noche para celebrar con artistas invitados y encontrarse alrededor de canciones que ya son parte de un nuevo tramo de este camino.
📍 Teatro Ciudad de las Artes, Córdoba Capital · Viernes 16 de octubre, 21 h · Entradas próximamente en autoentrada.com.
Tercer Encuentro Regional del Folclor del Caribe Colombiano. Un encuentro itinerante para tejer redes entre quienes amamos e interpretamos la música tradicional del Caribe colombiano en Argentina. Esta vez, en Córdoba.
📍 Del 16 al 18 de octubre ·

“Como artistas también somos antenas, somos radares”

collegiu — Thu, 01 Oct 2026 20:23:28 +0000

Alejo Villarroel es bajista, egresado de la Tecnicatura Superior en Instrumento de Collegium y de la prestigiosa Berklee College of Music, en Boston. Hoy se dedica a la música y tiene un espacio en Sintonía Fina, programa de Radio Universidad, donde crea cápsulas sonoras que muchas veces difunden a músicos latinoamericanos.

En la conversación charlamos sobre el panorama actual de la música, su experiencia estudiando en Berklee y compartiendo con músicos de todo el mundo, y los diferentes trayectos de formación a lo largo de su carrera.

Su paso por Boston le cambió la idea de lo que significa “lo latinoamericano”: “En Boston, donde estuve estos años, hay mucha comunidad latina. Como una sede de la música latinoamericana, un concepto un poco más global.”

Alejo cuenta que, desde Argentina, pensar en música latinoamericana era pensar en Brasil, Uruguay, en lo que tenemos cerca. Allá encontró que la música latinoamericana se relacionaba inmediatamente con salsa, bachata y sonoridades más del Caribe. Además, resalta lo interesante de que Berklee funcione como un ecosistema que se nutre todo el tiempo de músicos de todas partes.

Lo genuino: “pensar en lo que uno tiene para aportar”

Para el proceso de audición en Berklee, Alejo se propuso no pensar tanto en lo que la institución podía darle, sino en lo que él tenía para traer. Y en ese ejercicio apareció algo que lo marcó. Se dio cuenta de que el estereotipo de la música latina se reduce a la salsa y el merengue, algo lógico por cercanía. Se dio cuenta que no había nadie tocando una zamba. Ahí entendió que había un lugar para lo que él podía aportar, y también que era una música que sentía propia: “Es una música y una manera artística que realmente me representa y me interpela.”

Alejo cuenta que quiere explorar la música latinoamericana y argentina nunca como algo cerrado, sino a través de estilos, fusiones y mezclas, algo que atribuye a su condición de generalista. Reconoce que no viene del mundo del folklore ni del tango, aunque esa música sonaba en su casa:

“Es entrar yo a un mundo que ya había sido presentado ante mí pasivamente por mis padres. Llegar por mis propios medios a algo que ya había estado ahí en algún momento.”

Las figuras que más lo interpelan son las que revolucionaron un género conociéndolo hasta la última punta. Menciona a Piazzolla, “tan negado y tan bastardeado por su propio país”, y a los Beatles, su banda de la infancia. Todas son figuras que combinan irreverencia y respeto. De esa música dice que lo vincula con alguien que nació hace cien años: “Tengo algo que me une con este tipo que no conocí, que no tengo nada en común pero tengo todo en común”. Es una sensación que compara con ver a la Selección en un Mundial. Para Alejo, lo genuino es eso, tocar y estudiar una música que le provoca cosas que otras no, y que no da por sentado.

Collegium: un espacio de comunidad y formación

Alejo llegó a Collegium buscando un espacio de formación en el que pudiera profundizar su técnica en el bajo.

“Tener una hora de clase uno a uno. Es una experiencia muy valiosa a la que le pude sacar provecho”

Alejo describe su formación como muy buscada, que tiene que ver con la autonomía, no recibir contenido pasivamente, sino elegir los espacios y las instituciones y hacerse cargo del propio conocimiento. Reconoce que formarse como artista no va a ocurrir dentro de una sola escuela, y por eso se pregunta cómo lograr que la educación musical incorpore la vida artística y la calle. Sobre todo en las instituciones de música popular, dice, se estudia mucho y se toca menos en vivo, en distintos lugares y con distintas personas. Es un desafío para todas las instituciones, dialogar con ese afuera para que no todo ocurra endogámicamente adentro.

“Lo que más me termina quedando de las instituciones son la gente con la que compartí, la que conocí. Más allá de si somos amigos o no, hay algo que es un sentido de pertenencia.”

Por eso, si ve que alguien que estudió con él en Collegium tuvo un logro importante, se pone contento, y no solo porque lo conoce, sino porque atravesó un proceso acompañado por esa persona: “Para mí eso es la clave de las instituciones”.

La formación como un proceso de autonomía y en construcción constante

Alejo fue a Berklee a buscar formarse en arreglos y en el trabajo de esa industria. Hoy ve que es un oficio que ya no se necesita como hace cuarenta o cincuenta años. Reconoce que estudió muchísimo, pero que hay toda una parte del arte que sucede en escenarios que le queda por explorar, y que es momento de ir por ese lado. Su gran pregunta es cómo hacer que la educación musical incorpore esa vida artística y de la calle. En esa búsqueda constante de aprendizaje, la tecnología surge como arista ineludible: “Si hablamos de música, de arte que represente el momento histórico que estamos viviendo, no se la puede separar de la tecnología bajo ningún concepto.”

Alejo también se refiere a una cuestión generacional actual, en la que se espera y, muchas veces se da por sentado, que las personas que están buscando insertarse en la industria musical sepan manejar herramientas tecnológicas.

Además, resalta la importancia de, como personas dedicadas al arte, mantener la sensibilidad abierta ante los cambios de percepción y de códigos de una época.

“Al final, como artistas también somos antenas, somos radares que de alguna forma queremos ver qué pasa en la época, para dónde van las emociones de las personas y para dónde tenemos que dar los acordes.”

Eso implica un compromiso con los espacios que se quieren entender:

“Si yo realmente quiero saber qué está pasando en este ambiente, los tengo que habitar. Les tengo que poner algo de mí, porque tampoco es una cosa extractivista de ‘voy a ver si hay algún ambiente y absorbo’. Les tengo que poner cuerpo, vivirlo y sufrirlo con todas las personas que están adentro.”

Rockeros, Bonitos, Educaditos

collegiu — Fri, 25 Sep 2026 20:26:34 +0000

Sobre Elitismo y Barreras Abandonadas

Hace un tiempo, tuve un debate con una compañera de trabajo sobre la cumbia villera como una de las manifestaciones más genuinas de lo punk en la cultura argentina. Mi argumento principal hallaba sus raíces en lo punk como una filosofía más que como un género musical. Pensaba más en sus orígenes como movimiento de jóvenes británicos, sin formación clásica musical, pobres y militantes de ello. Sin plata, sin hogar, y sin un gramo de respeto por la civilización occidental. Poniendo al frente la liberación de los cuerpos mediante festejar la barbarie.

Pero sería un enorme despropósito decir que ese movimiento solo sucedió con los Sex Pistols. Acá tuvimos a Flema, Dos Minutos, Fun People, y a toda una generación de jóvenes alternativos que se inspiraron del punk británico para declararle la guerra al caretaje.

Pero si un movimiento supo incomodar al facho, habitar la marginalidad, y divertirse muchísimo en el proceso, fue la cumbia villera. Valiéndose principalmente de estilos latinoamericanos, con letras irreverentes y simbologías cargadas de culturas marginales, supieron dominar la música popular en la Argentina inestable de los 2000, y posteriormente perder tracción alrededor de 2005 con el auge del Reggaetón y la infame censura de la COMFER.

La Cumbia Villera surge a finales de los 90, cuando un joven Pablo Lescano, entonces tecladista de Amar Azul, empieza a pensar una cumbia más vulgar y cargada de crítica social, inspirado por las letras de Dos Minutos. El nulo entusiasmo de sus compañeros con esta idea fue lo que lo impulsó a fundar Flor De Piedra, la primera banda del género. En el 2000, Yerba Brava presenta su primer disco, titulado Cumbia Villera, dando finalmente nombre al movimiento artístico.

A todo esto, la respuesta de mi compañera fue desde el desagrado. Le pareció una falta de respeto comparar el rock, el metal, o el punk en este caso, con una negrada como la cumbia. La conversación no siguió mucho más, pero yo no me olvido. Pasa el tiempo y sigo pensando en esa interacción, porque recuerdo haber pensado lo mismo cuando era más chico. Recuerdo que la alienación por ser el único alternativo en el aula me lleve al odio y al rencor. Entiendo como una ideología entera puede crecer de eso. Entiendo cómo, desde los juicios de valor y los intentos de jerarquizar el arte, los individuos se diferencian entre sí, perpetuando ciclos antiguos de discriminación. Bourdieu hablaba de Habitus, de lo social hecho cuerpo. Las personas, en el afán de justificar nuestro ser individual, participamos de estructuras que nos estructuran a nosotros a la vez que participamos de estructurar al campo que nos rodea.

Ricardo Iorio dijo una vez: ‘’La música tropical es la que lleva a la gente a la cárcel, vamos a hacer un censo en la cárcel, ¿Quién escucha Edmundo Rivero?’’

No es el primero en intentar dibujar una conexión entre un estilo musical y la conducta violenta. Al mismo tiempo, el satanic panic en Norteamérica hacía lo mismo con el Heavy Metal. Y Slayer cantaba sobre mascaras de piel humana, y Marilyn Manson cantaba sobre el anticristo, y Cannibal Corpse cantaba sobre eyacular sangre, y Rage Against The Machine decía que el enojo es un regalo divino.

…y Pibes Chorros cantaba sobre darle al primer facho y careta que se haga el ortiva. Pibes Chorros tiene algo que se me hace particularmente especial. Llevaron como bandera la alienación y el sentirse paria, con la cultura tumbera como camiseta, y mostrando una cantidad enorme de sensibilidad en sus letras. Sentían. Lloraban. También, odiaban profundamente a la clase alta. Tuvieron la simbología más violenta, si se quiere, de las bandas grandes de la cumbia villera. Entre la simbología religiosa y los relatos carcelarios construían una mística oscurísima, cargada de emoción por un lado, y muy metalera por el otro. La tapa de Criando Cuervos como ejemplo.

Y Iorio los detestaba. Y los heavys que seguían a Iorio, se iban con ellos a las piñas. Y los marginados se pelearon entre sí, hasta que no quedo nada más que una bandeja con billetes y merca para los oligarcas sentados en la cima de la industria del entretenimiento.

Hay una búsqueda de superioridad estética en el metalero, marginado, odiando al cumbiero, también marginado. Como si el hecho de pegar para abajo hiciera que aquellos que se encuentran por encima lo vean con más respeto y compasión. Pero la historia demuestra una y otra vez, que a la mano que alimenta jamás se le escapa una miserable caricia.

Parafraseando a Becker en El Poder De La Inercia, se puede plantear al arte no como la obra de individuos si no como la construcción resultante de interacciones, sinergias y seres que comparten. En una suerte de ola de nieve, cuando el arte representa a quien se le niega la voz y aun así grita, el efecto es inevitable. Entre tanta contaminación, tanto arte de monedas, un aullido genuino cambia realidades. Sea pig squeal o sapucai. En los márgenes que escapan a lo ultraprocesado, siguen existiendo los espacios donde se canta la basura que la hegemonía insiste en descartar. Canciones que jamás llegan al estudio, pero conmueven a un par de afortunados.

Existen más líneas uniendo a los habitantes de los márgenes que barreras distinguiendo el estilo que consumen. Me gustaría proponer un panorama, una imagen mental de una cultura donde las diferencias no son tan absurdas, donde los marginados, por raros o por pobres, no se pelean entre sí. Donde Iorio y Lescano son igual de sudacas y reconocen que los dos tocaban un estilo que se originó en otro país.

Y que los dos movilizaron los corazones de miles de argentinos por igual. Dar voz es un acto divino, y los dos merecen respeto por ello.

No tengo muchos resultados. Tengo testimonios sobre los circuitos de arte emergente que se saben crear en mi provincia, en los barrios que camino. Supongo que con el tiempo, en el transmutar de la cultura under, las líneas se hacen borrosas y los grupos se cruzan. He bailado cuarteto con Iorios. He escuchado ritmos tropicales en recitales de bandas punk. En San Vicente, las fechas de Grindcore reúnen góticos con heavys con gente ajena al espacio de las bandas de rock bajo banderas antifascistas. En una cancha de futbol, tocan los punks al rayo del sol y de entrada se cobra un alimento no perecedero. Una vez al año, 40 bandas ocultas se encuentran en el desierto y ven nacer el sol.

En una terraza se escucha por primera vez una banda, y por un rato, todo es un poco más liviano.

Sueño con una música sin barreras.

Atentamente, un metalero que descubrió cuánto le gusta la cumbia.

Este ensayo forma parte de un conjunto de textos producidos por estudiantes en el marco del seminario Arte, Cultura y Sociedad del Profesorado de Collegium.

Referencias bibliográficas

Bourdieu, P. El sentido social del gusto Elementos para una sociología de la cultura. Siglo XXI editores

Becker, H. (2009) El poder de la inercia

Mendivil, J (2016) En Contra De La Música. Gourmet Musical Ediciones

Damián Torres, el director cordobés que resiste al algoritmo: “Nos obligan a escuchar siempre lo mismo”

collegiu — Thu, 24 Sep 2026 21:18:27 +0000

María Massara y Gimena Chendo, estudiantes del Profesorado de Música en Collegium.

Damián es oriundo de Corral de Bustos, un rincón ubicado en el sudeste cordobés. Allí su infancia transcurrió entre acordes de folklore, los vinilos de Astor Piazzolla y la revolución de los Beatles. A los 10 años sus manos encontraron el piano, luego en su adolescencia se trasladó a Rosario torciendo su destino hacia el fuelle. El encuentro fue fortuito y se dio en el departamento de un amigo violinista que tocaba el bajo en una banda de rock y guardaba un bandoneón. “Pasé a visitarlo un día, tomé unos mates y dije: ‘Mirá, qué lindo el bandoneón'”.

Posteriormente, consiguió uno prestado junto a un método de estudio y se sumergió durante seis meses a descifrar empíricamente la ubicación de las notas. Su primera clase formal con Domingo Federico, profesor de la Universidad de Rosario, marcó un hito inusual en su formación: “Me preguntó qué sabía hacer. Le dije que las escalas cromáticas, abriendo y cerrando. Había varios alumnos y me dijo: ‘Bueno, entonces enseñásela a él’. “O sea que mi primera clase como estudiante fue de profe”, recuerda.

De las filas a la batuta

En 2003, Damián ingresó por concurso como segundo bandoneón a la Orquesta Provincial de Música Ciudadana. Siete años después, en 2010, fue convocado para asumir la dirección. Su rol es estrictamente artístico: diseña la programación, dirige los ensayos, convoca a directores invitados y escribe la gran mayoría de los arreglos. Bajo su pluma y dirección, el archivo de la orquesta ha crecido hasta atesorar aproximadamente 500 obras de diferentes arregladores y compositores.

La excelencia de la orquesta Provincial se mantiene mediante un estricto proceso de selección institucional. “Uno no pone a dedo a la gente”, aclara. Los jurados de los concursos están integrados por el director, el solista del instrumento a evaluar y un especialista externo, garantizando así la absoluta imparcialidad artística.

Artesanía humana contra la corriente del mercado

La visión de Damián en la gestión de la orquesta es una declaración de principios frente a los monopolios culturales.

“Hay un grupo de poder muy heavy que mediante un sistema como el capitalista está reventando todo. El tema no es que estés obligado a escuchar a Beethoven; en realidad es que, al no tener opciones, estás obligado a escuchar siempre lo mismo”.

Como respuesta a la uniformidad del algoritmo, su estrategia de programación musical busca desafiar al oyente. “Soy un anti-demagogia. Armo programas que tienen que ver en un 80% o 90% con tango no tan conocido”, asegura, buscando ofrecer al público recorridos musicales que la inmediatez mercantil suele invisibilizar.

Esta resistencia también se refleja en sus métodos de trabajo. Aunque utiliza software de notación para escribir las partituras, rechaza rotundamente el uso de programas de secuenciación de audio para crear maquetas. “No trabajo con la cuestión de la digitalización de audio… la verdad está acá con los seres humanos”, sentencia. “Todo se prueba, se discute y se corrige en el ensayo, dialogando frente a frente con los músicos”.

La filosofía del encuentro y los contrastes sonoros

Para el director, hacer música debe mantener siempre un espíritu lúdico, un espacio que él define como un “neverland” alejado de la rutina ensordecedora. Estéticamente, traslada esa intensidad vital a la sonoridad de la orquesta buscando contrastes extremos.

Fiel a la influencia de Piazzolla, busca que la orquesta ofrezca desde “la contundencia que te pegue un cachetazo” hasta “la tersura de una caricia”, huyendo decididamente de los tibios “grises”.

Este proceso estético se basa en lo que él define como un círculo de tres pilares: primero, él debe estar convencido del arreglo que escribió; segundo, debe lograr que los músicos se convenzan y toquen con pasión; y tercero, debe convencer y emocionar al público.

Escucha, baile y memoria viva

El repertorio de la orquesta asume la dualidad histórica del tango sin prejuicios, abrazando tanto su origen como su evolución camarística. Al contar con músicos, cantores y bailarines, el elenco trabaja permanentemente con los tres pilares del género. “Tratamos de hacer un mix de todo. Hay momentos que hacemos una música que es mucho más al piso, rítmica para bailar, y hay momentos en que nos vamos a una cosa completamente más laxa”.

El desafío máximo, sin embargo, radica en las obras conceptuales contemporáneas. Al montar El Palacio de la Memoria (compuesta por Damián con textos de Dante Ascaíno para conmemorar los 50 años del golpe militar del ‘76), una pieza anclada en los horrores de la dictadura, la orquesta atravesó una experiencia profundamente catártica. “El desafío, primero que nada, es hacerla bien. El público tuvo un recibimiento muy emotivo porque es un tema muy jodido. En un momento estábamos todos moqueando en el ensayo general”, confiesa Damián.

Es en esa conexión cruda donde la orquesta confirma su vigencia. Como resume el propio director, citando al poeta Khalil Gibran, el verdadero sentido de la música no es la erudición técnica: “Cuando estés al final de lo que debas saber, vas a estar al comienzo de lo que debas sentir”. El tango, en definitiva, no es un museo del sonido porteño, sino un refugio humano donde la memoria resiste y la emoción sigue latiendo.

Entrevista realizada en el marco de la materia Músicas Urbanas.

Newsletter – Sembrar lo cosechado

collegiu — Wed, 16 Sep 2026 21:44:36 +0000

Septiembre viene con ese gustito a primavera ya en el aire, nos inspira y nos florece. Y en esta edición queremos invitarles a pensar en las creaciones. ¿Cómo crear? ¿Cómo inspirarnos? ¿Qué queremos crear? ¿Para quiénes? ¿Para qué?

A veces pensamos los procesos creativos como instancias grandilocuentes de epifanías y revelaciones. Postergamos empezar algo que nos gustaría hacer, nos decimos que ya va a llegar el momento clave de inspiración y bla bla bla. Y en realdiad, lo que muchas veces sucede es que las creaciones y proyectos surgen de casualidades, de alguna pregunta que hicimos en clase y sentimos que todos nos miraron raro, o de simplemente seguir haciendo lo que nos gusta.

Los procesos de creación a veces tienen que ver con seguir y ver a dónde nos lleva una idea. Muchas veces queremos controlar y saber de antemano qué va a pasar, la incertidumbre nos agobia, el proceso nos impacienta. En esta edición queremos invitarles a entregarnos a los procesos de creación desde el juego y dejando ir la exigencia. Queremos darnos el lugar para pensar las ideas como oportunidades lúdicas, y no como productos cerrados que tengan que rendir cuentas de efectividad y eficiencia.

Vamos a leer a una estudiante que se anima a poner en duda sus propias certezas creativas, a encontrarnos con una banda que empezó en los pasillos de Collegium y hoy lleva 10 años arriba de un escenario, y a abrir un libro que nos invita a jugar antes que a controlar.💜

¿Decidimos o repetimos lo aprendido?

Cecilia González es DJ, productora y estudiante de Collegium, escribió un ensayo que nos invita a cuestionar nuestras propias creaciones y los métodos para llegar a ellas.

Parte del momento concreto de producir un track, cuando un loop empieza a crecer y parece tener su propio rumbo. De ahí surge la pregunta ¿cuánto de lo que considero una decisión propia ya estaba de alguna forma aprendido de antemano?

A partir de esta pregunta, Cecilia cuestiona la idea de que crear es un acto puramente individual, y piensa la producción musical como un trabajo con materiales que ya vienen cargados de sentido. También se anima a preguntar quién decide qué música merece llamarse arte y cuál queda relegada a entretenimiento, y qué lugar ocupan el mérito, el mercado y el acceso en esa clasificación.

Este ensayo forma parte de un conjunto de textos producidos por estudiantes en el marco del seminario Arte, Cultura y Sociedad del Profesorado de Collegium. Descubrí todos los ensayos y una excelente selección musical acá.

La maquetación del material estuvo a cargo de Antonella Torres.

De los pasillos de Collegium a los escenarios: La Tico cumple 10 años

Diez años de ensayos, de componer, de escucharse y volver a empezar. La Tico, banda cordobesa formada por egresados de Collegium, cumple una década, y sus primeras canciones nacieron ahí mismo, entre pasillos y recreos, mucho antes de subirse a un escenario. Charlamos con Gonza, Javi y la Chini sobre ese origen. Las materias que los marcaron (Composición, Coro, el Concierto Didáctico), y cómo esos aprendizajes siguen sonando hoy, diez años y varios escenarios después.

Y para festejarlo como corresponde, los invitamos a su show de aniversario:
🎸 Viernes 4 de septiembre, 19.30 h · Chilli Street Club (Fructuoso Rivera 273) · banda invitada: Cordillera

Lo que la biblio está leyendo

Free Play, de Stephen Nachmanovitch

Crear puede ser una forma de entregarnos al juego. Un juego que necesita dedicación y disciplina para poder soltarse de verdad. ¿Cuánto de lo que llamamos “inspiración” es en realidad el fruto de todo lo que practicamos sin mirar? ¿Se puede improvisar sin haber estudiado antes, o la libertad creativa también se siembra?

Nachmanovitch , que además de escritor es músico, invita a pensar el arte, tocar, escribir, enseñar, incluso vivir, como una forma de juego que se toma en serio. Nos deja flotando algunas preguntas para llevarse a la próxima clase o ensayo. ¿En qué momento del proceso creativo dejamos de controlar y empezamos a jugar? ¿Y qué pasaría si tratáramos nuestros errores no como fallas, sino como parte del juego mismo?

📚 Está disponible en la biblio. Pasate a buscarlo💟

Agenda

Por último les dejamos nuestra agenda de eventos, enfocada este mes en la creación: escuchas, talleres y encuentros pensados para acompañar procesos artísticos en marcha.

“Folclorito”, preescucha de Clara Presta. La música presenta en primicia su nuevo álbum, inspirado en la música folclórica argentina, en una escucha a ciegas previa al lanzamiento oficial de octubre.
📍 06 de septiembre, 20.00 y 21.30 h en Casa Astral
“Provocaciones para imaginar”, taller de procesos artísticos. Un espacio para movilizar búsquedas creativas y acompañar el momento inicial de un proyecto.
📍 CCEC , Entre Ríos 40 · Martes 8, 15, 22 y 29 de septiembre, 17 a 20h · Gratuito con inscripción previa, cupos limitados.
El Aljibe, ciclo de música en vivo. Un ciclo que combina presentación musical con una entrevista previa.
📍 Patio del Aljibe, CCEC · Viernes 11 y 18 de septiembre, 19.30 h
Fiesta de la Poesía. Dos días en los que la palabra se vuelve encuentro: talleres, feria y lecturas que muestran que la poesía cordobesa se sostiene entre varios, no en soledad. Un festejo colectivo de todo lo que se viene cultivando hace tiempo. Organizado por La Hojarasca Libros, Puerta 276 y La sagrada familia . 📍 12 y 13 de septiembre
Jarana: Trivia. Un ciclo de encuentros pensado, simplemente, para jugar. Nos gusta incluirlo acá porque a veces la creación arranca justo ahí: en una idea que todavía no es seria, en un juego sin más fin que jugar. Lo lúdico también siembra. 📍 06 de septiembre en La Hojarasca – Alvear 423.
“Jardín de gente: Primavera de canciones” , con Lucas Fambrini, Cata Torre y Viki Carballo. Un espectáculo que llega con la primavera y habla, de algún modo, de lo mismo que esta edición: de ideas que crecen despacio, de canciones que germinan cuando se las cuida entre varios. 📍 19 de septiembre en La Hojarasca – Alvear 423.

Newsletter – Infancias

collegiu — Thu, 10 Sep 2026 22:49:00 +0000

Les damos la bienvenida a la segunda edición de nuestro newsletter Collegium Escucha. Una vez al mes vamos a encontrarnos acá para compartir producciones, lecturas, preguntas, experiencias y, claro, mucha música.

Esta edición está dedicada a las infancias, en plural, porque no hay una sola manera de ser niño o niña, y porque pensar desde ellas nos invita a jugar, a sorprendernos y a mirar el mundo de otra manera. Bienvenidos y bienvenidas. 💜

¿Por qué hablar de infancias?

En esta sección les compartimos un artículo de Luz Cordeiro, docente de Didáctica de la Música I y de Práctica Docente III y Residencia . ¿Por qué hablamos de infancias, en plural? ¿Qué mundos les abrimos con cada propuesta que les acercamos?

Luz nos propone mirar a las infancias en toda su amplitud, con una lógica propia, con una manera única de leer y transformar todo lo que las rodea, sobre todo jugando. Y nos invita a preguntarnos, como educadores, desde dónde estamos parados a la hora de enseñar.

¿Qué mundos están muteados, cuáles habilitamos? Pensar la enseñanza desde ahí es animarse a correr los límites de lo que ofrecemos.

Ser docente, nos dice, también precisa reconocernos como transmisores de cultura: asumir el rol de curadores, de mediadores entre los bienes culturales y nuestros estudiantes, con la convicción de que es necesario democratizar el acceso al conocimiento y a la belleza. Enseñar no tiene recetas, y esa tarea vale la pena cuando la clase se convierte en el momento esperado de la semana.

"Se puede educar desde la ternura de estar en un escenario"

En este segmento nuestros estudiantes son protagonistas. En esta ocasión conversamos con Pilar Piñero , estudiante del Profesorado de música en Collegium e integrante del elenco Acuarela, un grupo de teatro musical dedicado a las infancias. Hablamos del desafío de preparar obras para infancias, que despierten curiosidad, asombro, que no les subestimen, y de cómo el afecto se vuelve una herramienta central a la hora de educar desde el arte.

En la charla, Pilar cuenta cómo su formación en Collegium le permitió poner en palabras y profundizar preguntas que ya estaban presentes en su experiencia artística, encontrando en materias como Pedagogía o Sujetos de la Educación un marco teórico para pensar las infancias. Una conversación que entrelaza los shows en escena con las aulas de Collegium, y que deja una idea fuerte: aprender es un encuentro con el otro, una experiencia viva donde el arte y la docencia se tocan para construir vínculos genuinos.

Lo que la biblio está leyendo

Dos Osos de Paseo – Jorge Luján y Manon Gauthier

Un poemario tierno y musical, pensado para las infancias más pequeñas. Reúne diez poemas de Jorge Luján acompañados por ilustraciones graciosas y cuidadas de la canadiense Manon Gauthier. Osos que salen de paseo en auto, brujas con sus escobas, monos traviesos y un perro entrañable se combinan en una sinfonía de palabras que suena a canción.

Para acompañar esta lectura, les compartimos también el material en YouTube, donde pueden escuchar y ver estos poemas cobrar vida. 🎥

📚 Está disponible en la biblio. Pasate a buscarlo.

Agenda

Por último les dejamos nuestra agenda de eventos, enfocada este mes en las infancias: títeres, coros, circo y música para compartir en familia durante agosto.

“Des-encontradas” , de La Dudosa Compañía. Entre música, acrobacias, teatro y humor, las payasas Telma y Filigrana atraviesan una sucesión de búsquedas, encuentros y desencuentros hasta descubrir que la imaginación y el trabajo compartido hacen posibles las aventuras más extraordinarias. La propuesta, creada por un grupo de artistas de Traslasierra, celebra la amistad, la cooperación y el poder de encontrarse con otros.
📍 Teatro Comedia · Sábado 15 de agosto, 17.00 h
Giro, calesita de estaciones. El Elenco Estable de Títeres presenta esta obra para primera infancia (1 a 5 años): dos titiriteros ponen en marcha una máquina que gira y gira, y en las vueltas pasan las estaciones del año, como quien pasea entre los juegos de una calesita. Dirección: Hernán Danza. Duración: 30 minutos. 📍 Teatro Real, sala Azucena Carmona, San Jerónimo 66 · Domingo 16 de agosto, 11.30 h
Gran Festejo: Día de las Infancias. Juegos con Infancias 4D, Big Minis, recital de Gato Negro, refrigerio y sorteos. 📍 Explanada del MMAU (Plaza España) · Domingo 16 de agosto, 17.00 a 19.00 h · Entrada gratuita
Varieté Espacial (segunda edición del mes) . Circo, teatro, humor, danza y música en vivo se combinan en esta propuesta multidisciplinar; la música acompaña cada número, sumando otra capa sonora al espectáculo. 📍 MMAU (Plaza España) · Viernes 21 de agosto, 20.00 a 22.30 h

Newsletter – Renovatorio Musical

collegiu — Thu, 10 Sep 2026 22:47:25 +0000

Reabrir la escucha. Nuevas formas de oír, pensar y habitar la música

Hola,💜
Te damos la bienvenida a este espacio que estuvimos construyendo con ganas: Collegium Escucha, el newsletter de Collegium. Una vez al mes vamos a encontrarnos acá para compartir producciones, lecturas, preguntas, experiencias y, claro, mucha música.

En esta primera edición quisimos arrancar por algo que hacemos todo el tiempo sin darnos cuenta: escuchar. ¿Qué músicas nos acompañan? ¿Qué voces nos llegan de verdad? ¿Por qué algunas sonoridades nos resultan familiares y otras nos generan extrañeza? ¿Qué músicas enseñamos y cuáles dejamos afuera, casi sin notarlo?

Pensar la escucha nos lleva inevitablemente a preguntarnos por la formación musical, por las jerarquías culturales y por los modos en que aprendimos —o nos enseñaron— a oír el mundo. Abrir la escucha es también abrir preguntas. Y eso es exactamente lo que queremos hacer acá.

Imaginar un renovatorio de música

Conversamos con Carmen Baliero y Claudio Bazán

¿Qué pasaría si la enseñanza musical partiera del sonido antes que de la norma? ¿De la curiosidad antes que del acatamiento? ¿Del deseo antes que de la técnica?

Nos sentamos a charlar con Carmen Baliero y Claudio Bazán sobre todo esto y mucho más. La conversación fue generosa y llena de preguntas que no tienen una sola respuesta: qué entendemos por música “buena”, por qué ciertas sonoridades se vuelven legítimas y otras quedan etiquetadas como exóticas o marginales, y cómo la educación —muchas veces sin querer— termina reproduciendo esas jerarquías.

De ahí viene la idea del renovatorio: no reformar desde arriba, sino renovar la escucha desde adentro. Pensar una educación musical más porosa, más atenta al entorno sonoro, a las múltiples maneras en que el sonido produce sentido en distintas culturas. En definitiva, una invitación a escuchar el mundo con otros oídos.

Pensar sonando: Piezas sonoras y decolonización musical

En esa misma sintonía, compartimos una serie de piezas sonoras surgidas en los espacios Arte, cultura y sociedad y Tecnología analógica y digital en la música, coordinados por Ana Rubio y César Alarcón.

Se trata de producciones que utilizan la creación sonora como herramienta de investigación y experimentación en torno a la decolonización musical y las nuevas tecnologías digitales. A través de grabaciones de entorno, músicas de raíces originarias, africanas y orientales, texturas, ritmos, técnicas vocales y formas expresivas alejadas de los modelos europeos, estas piezas proponen escuchar como una forma de cuestionar jerarquías y abrirse a universos sonoros históricamente invisibilizados.

La noción de pieza sonora permite pensar producciones abiertas, híbridas y experimentales, atravesadas por el registro documental, la manipulación digital y el montaje, más allá de categorías tradicionales de la música académica occidental.

Desde esta perspectiva, “pensar sonando” implica entender la enseñanza musical como una práctica que también forma sensibilidad, pensamiento crítico y posicionamiento cultural. Lo decolonial no consiste solo en ampliar repertorios, sino en revisar las categorías desde las que definimos qué es música, qué merece ser enseñado y quiénes pueden producir conocimiento musical.

Lo que la biblio está leyendo

Océano de sonido — David Toop
Todo empieza en París, 1889. Claude Debussy escucha música javanesa en una exposición y algo se le mueve por dentro. De repente, se da cuenta que el sonido puede organizarse de maneras que nadie le había enseñado antes. Ese momento de asombro es el puntapié inicial de este libro.
Océano de sonido es difícil de clasificar, y eso es exactamente lo que lo hace interesante. David Toop va tejiendo conexiones entre tradiciones ancestrales, ambient, techno y culturas sonoras de los lugares más inesperados, sin forzar ninguna historia lineal. Es más una deriva que un manual, te traslada de un sonido a otro, de una época a otra, y en el camino te invita a cambiar un poco la forma de escuchar.
En tiempos donde los algoritmos ya “saben” qué quieres oír antes de que vos lo sepas, este libro propone todo lo contrario. Es la búsqueda de una escucha curiosa, abierta, y, sobre todo, desobediente.

📚 Está disponible en la biblio. Pasate a buscarlo.

Recomendaciones

Para cerrar, el profe Roberto “Chiqui” La Rosa — docente de Música y Lenguaje Corporal — nos comparte una selección de escuchas para seguir disfrutando.

El ojo en la oreja — Arte sonoro y música, conducido por Ives Romero y Gustavo Alcaraz. Radio UTN Córdoba · Miércoles de 20 a 21hs
La Cocina del Swing — Jazz y black music, conducido por Adrián Baigorria. Radio Universidad AM 580 / 102.3 · Domingos de 21 a 00hs
Silencio (Onda Cero Podcast) — Pedro Bravo y Gonzalo García reflexionan sobre el ruido constante y la resistencia tranquila. Un podcast para pensar.

De los pasillos de Collegium a los escenarios: La Tico cumple diez años

Clarisa Alba Gomez — Fri, 28 Aug 2026 21:34:21 +0000

Diez años de escenarios, diez años de ensayos, de componer, de probar letras, de escuchar y escucharse. La banda cordobesa La Tico cumple una década de existencia y lo va a festejar a lo grande con un show en vivo. Gonza, Javi y la Chini vuelven a los pasillos de Collegium, pero esta vez para charlar sobre su trayectoria como banda, en una Córdoba cambiante y en constante movimiento.

Diez años atrás, las primeras canciones de La Tico empezaban a tomar forma en los pasillos de Collegium, en los recreos y en las mismas clases. Esos primeros acordes y melodías pegadizas serían las semillas de un proyecto incipiente que, con el tiempo, se convertiría en una banda con identidad propia dentro de la escena musical cordobesa.

“Muchas personas de acá de Collegium nos van a acompañar tocando”, cuenta Gonza sobre la fecha aniversario. La historia de la banda está íntimamente ligada a esos años de formación: “En Collegium nos cruzábamos, compartíamos muchos talleres con los pibes de Tecnicatura, también los pibes de Audición, entonces eso también creo que nos llevó a unirnos y a formar una comunidad”.

Y si hay algo que aparece una y otra vez durante la charla es la palabra amistad.

“Somos amigos. Yo siento que tengo cinco hermanos varones más. Nos reímos, nos peleamos, nos enojamos, nos amigamos, la pasamos bien”, , dice la Chini mientras recibe el mate y se lo pasa a Javier.

Entre el mate y el termo se despliega una pequeña coreografía que parece resumir años de compartir ensayos, escenarios, viajes y canciones. Coordinan sin pensarlo, como quien se sabe de memoria los movimientos del otro.

La Tico es una banda de rock argentino de Córdoba Capital, creada en 2015 por músicos formados en Collegium. Su sonido fue mutando a lo largo de estos diez años y recorrió diferentes territorios musicales, transitó los caminos del rock and roll, blues, funk, candombe, murga, punk y folclore. En ese recorrido pasaron por escenarios como Cosquín Rock y La Nueva Generación, además de bares, salas y festivales de Córdoba y la provincia.

“Somos más así como rockeros de la vieja escuela”, cuentan. Aparecen entre sus referencias León Gieco, Viejas Locas, El Bordo y Los Fabulosos Cadillacs, pero también mucho cuarteto y, más recientemente, un creciente interés por el folclore.

“En la primera etapa fue más rock and roll, funk; después fue mutando y pasó a lo latinoamericano y ahora, bueno, estamos más en lo que es un aire folclórico. También hacemos un coro de ‘Vidala para mi sombra’”, explican. Esa búsqueda constante aparece en sus canciones y en sus presentaciones. Los géneros se cruzan, los instrumentos cambian de manos y los roles se transforman. En cada show hay un impulso lúdico fundamental, disfrute e improvisación, que invita al público a estar atentos a qué puede suceder en la canción siguiente.

Los primeros años estuvieron marcados por el impulso de tocar en todos lados. “El objetivo era tocar, tocar, tocar, tocar. Había muchos espacios. El Abasto todavía estaba muy vigente, Güemes era todavía un boceto de lo que es hoy”. Desde entonces atravesaron pandemias, crisis económicas y también la adultez, con sus trabajos, responsabilidades y tiempos cada vez más difíciles de hacer coincidir. Y, sin embargo, siguen encontrándose para hacer música.

En el camino compartieron escenario con bandas como Las Pastillas del Abuelo, Los Gardelitos, La 25, Cielo Razzo, La Chancha Muda y Piti Fernández, además de músicos e integrantes de Viejas Locas, Intoxicados y Callejeros, Gaspar Benegas y Más Sola Que Carola, entre otros.

La banda está formada por Pablo Agustín Gómez (guitarra eléctrica, guitarra española y voz), Gonzalo Argenti (guitarra eléctrica, guitarra española, charango y voz), Sindhy Cerra (voz y accesorios), Javier Ojeda (bajo, quena y voz) y Nicolás Caprari (batería, bombo legüero y accesorios). En sus shows, los instrumentos van pasando de mano en mano y los roles cambian, todos están en movimiento, atentos a sorprender en la próxima canción.

Un auto, una banda y miles de historias

La Tico lleva miles de historias a cuestas y hasta su nombre tiene una historia propia. El responsable es el primer auto de Pablo, guitarra y voz de la banda: un autito similar a un Fiat 147, algo así como un auto payaso en el que se subían todos los integrantes y que los llevaba a todas partes.

“A veces éramos ocho adentro. Empezábamos a juntarnos e íbamos a todos lados en el Tico”, recuerdan. Entre las hazañas del pequeño auto está haber bancado el camino desde Río Grande, Tierra del Fuego, hasta Córdoba. De ahí salió el nombre de la banda y, con él, una parte de la identidad que todavía los acompaña.

Su primer EP, Esperanza Kamikaze, también habla de esa manera de vivir la música. La idea de ser un “kamikaze” al subir a un escenario, de abrir el corazón a nivel personal y artístico y darlo todo arriba y abajo del escenario, pero manteniendo siempre la esperanza.

Un público amigo

Si la amistad es uno de los pilares de La Tico, también lo es el vínculo con su público. “Somos amigos de nuestro público”, dicen. Se buscan, se encuentran y comparten recitales, guitarreadas y momentos que exceden la música.

Las banderas de La Tico, los amigos, el aguante y las historias compartidas forman parte de ese universo. Incluso uno de sus seguidores más fieles decidió tatuarse el logo de la banda. Diez años después, la comunidad que se construyó alrededor de las canciones parece ser otra forma de medir el camino recorrido.

Durante la charla aparece un afiche de hace años: el de uno de sus primeros festivales en Collegium. El Festival Amalgama anunciaba bandas del colegio, una entrada anticipada de 40 pesos, un número de WhatsApp para reservar y Facebook como red social para seguir las novedades. Una pequeña cápsula del tiempo que permite mirar cuánto cambió la escena musical y cuánto cambió también la vida de quienes estaban ahí.

Aprender a hacer música, aprender a hacer comunidad

La conversación vuelve una y otra vez a Collegium. A las materias, los docentes y las experiencias que, con el tiempo, terminaron siendo herramientas para la vida artística y profesional.

“Principalmente Composición fue el puntapié inicial para empezar las composiciones nuestras”, recuerdan. También aparecen las materias de coro, Didáctica y el Concierto Didáctico como experiencias que dejaron huella.

“Todas las materias de coro eran de mis favoritas. Amo la grupalidad en el canto. Las materias de didáctica también, para la docencia. Todo eso, con la Lore, la Belén Silenzi, las prácticas docentes, también fue un gran acompañamiento. Te abrían la cabeza a cómo podías concebir la música en el aula y en el día a día”.

Y hay una experiencia que recuerdan especialmente: el Concierto Didáctico, de la materia Producción Musical. “Para mí fue, y es, de las cosas más lindas de la carrera”, dicen.

Más allá de lo musical, esa experiencia les dejó otro aprendizaje: cómo producir, organizar y sostener todo lo que pasa alrededor de un escenario.

“Te enseña a producir el evento. Ahí está la clave, porque en la escena de rock de Córdoba es medio remar en el barro: te vas curtiendo con el tiempo.”

Para ellos, el Concierto Didáctico fue una primera experiencia de ese aprendizaje. Entender que si sos guitarrista necesitás tener tu amplificador, que un espectáculo implica mucho más que tocar y que arriba de un escenario también hay que aprender a expresarse. En ese recorrido recuerdan especialmente el aporte de Chiqui La Rosa y el trabajo sobre la expresión escénica.

Diez años después de aquellas primeras canciones en los pasillos de Collegium, La Tico sigue haciendo lo que hacía entonces: encontrarse, tocar, probar, escucharse y volver a empezar. Solo que ahora llevan una década de historias, escenarios y canciones a cuestas.

La Tico celebra sus diez años el viernes 4 de septiembre, junto a la banda invitada Cordillera, en Chili Street Club (Fructuoso Rivera 273), a las 19:30.

Producir en Loop

Clarisa Alba Gomez — Wed, 26 Aug 2026 22:46:51 +0000

Cecilia Gonzalez . DJ . Productora . Estudiante de Collegium

Hay un momento, cuando estoy produciendo música, en el que todo parece abrirse con un loop, un bombo o una textura que empieza a crecer. Podría ir para cualquier lado, pero no va para cualquier lado. Hay algo que lo encamina incluso antes de que yo lo decida del todo, como si existiera un mapa invisible de por dónde “debería” avanzar ese sonido. ¿Cuánto de lo que considero una decisión propia ya estaba de alguna forma aprendido de antemano? Esta sensación pone en tensión una idea bastante instalada, la de la creación como expresión puramente individual. En la práctica, producir no es empezar desde cero, sino trabajar con materiales ya cargados de sentido; presets, estructuras, referencias y formas de escuchar que se aprenden en determinados contextos. Cuando abro Ableton y empiezo un track, ¿estoy creando algo nuevo o reorganizando elementos que ya circulan dentro de una cultura musical puntual?

En la escena electrónica no todas las estéticas ocupan el mismo lugar. Algunos sonidos son percibidos como más “serios” o “artísticos”, mientras que otros quedan asociados a lo comercial o superficial.

Como dice Bourdieu, “el gusto es el producto de los condicionamientos asociados a una clase particular de condiciones de existencia”. Entonces ¿por qué ciertos sonidos parecen tener más legitimidad que otros? ¿Quién define qué música merece ser escuchada como arte y cuál queda reducida a entretenimiento?

Producir música implica moverse dentro de un sistema de valoraciones donde algunas prácticas son legitimadas y otras relegadas. Me surge la duda de si ciertas formas contemporáneas de entender el arte no terminan funcionando también como mecanismos de diferenciación y consumo, donde incluso la idea de originalidad puede convertirse en un valor de mercado. En ese sentido, me resulta difícil no percibir que muchas veces estas dinámicas favorecen a quienes ya cuentan con mayores recursos, contactos o posibilidades de circulación. Sin embargo, sigo pensando que gran parte de la necesidad de producir nace de otro lugar; del impulso creativo, del deseo de experimentar, de entrar en un estado de búsqueda y sensibilidad que no siempre puede reducirse a una lógica de éxito. Aunque al mismo tiempo aparece una contradicción inevitable; ¿quién no quisiera tener resuelta la dimensión económica de lo que ama hacer?

Entre la originalidad y la pertenencia: la música como labor colectiva

Si pienso en la música que escucho y que también influye en lo que produzco, aparecen artistas como Vanyfox, Yaeji o NatureBoy, cuyas propuestas combinan distintos lenguajes pero siguen dialogando con marcos reconocibles. En Vanyfox hay una fuerte presencia de lo percusivo y ritmos vinculados al afrobeat; en Yaeji aparecen cruces entre house, ambient y pop; y en NatureBoy, una mezcla entre hip hop y climas más experimentales. Incluso productores como Flying Lotus o Mndsgn, que trabajan desde una lógica más ecléctica, siguen dialogando con géneros y tradiciones musicales. ¿Es posible realmente salir de esas categorías o toda innovación termina siendo absorbida por nuevas etiquetas?

Sin embargo, estas valoraciones no operan en abstracto. Becker propone comprender el arte como el resultado de una actividad colectiva organizada en lo que denomina “mundos del arte” y señala que “los productos culturales son fruto de la labor colectiva”. Desde esta perspectiva, una producción musical no depende únicamente de quien la crea, sino de una red de cooperación que incluye herramientas, circuitos de circulación, públicos e instituciones. Becker también señala que “la cooperación y las convenciones hacen el producto cultural más efectivo y menos costoso”. En la música electrónica esto puede verse en estructuras, tempos, formas de mezclar o herramientas compartidas que permiten que las producciones circulen y sean comprendidas dentro de una escena.

Muchos aprendizajes ocurren también en el “hacer”: escuchando sets, produciendo, compartiendo proyectos o probando sonidos con otros. ¿Cuántas de las cosas que consideramos “mi estilo” nacieron en realidad del contacto con otras escuchas y otras formas de habitar la música?

A esto se suma lo que Becker denomina “inercia”, es decir, la tendencia a reproducir formas ya establecidas porque “modificarlas implica costos materiales, sociales y simbólicos”. Quizás por eso muchas producciones contemporáneas parecen moverse constantemente entre la búsqueda de originalidad y la necesidad de pertenecer, pero ¿qué espacios permiten que ciertas sensibilidades existan y otras no? quizás producir música hoy sea valorar y reconocer que las decisiones que tomamos no son realmente propias, sino ecos de un sistema que ya estaba sonando antes de que empezáramos a crear. En lo personal siento que ya todo esta creado, pero aun sabiendo esto podemos y debemos continuar produciendo arte en lo amplio de la palabra, porque el fin no es ser “disruptivo” o ser “exitoso”, ni hacerse viral en redes, sino conectar con la creatividad que tanto necesitamos para sentirnos vivos más allá del propósito de crear arte que fusione distintos estilos.

Este ensayo forma parte de un conjunto de textos producidos por estudiantes en el marco del seminario Arte, Cultura y Sociedad del Profesorado de Collegium.

Referencias bibliográficas

Becker, H. S. (2009). El poder de la inercia. Material de cátedra.

Bourdieu, P. (2010). El sentido social del gusto. Siglo XXI Editores.

Ellison, S. [Flying Lotus]. (2021). Yasuke [Álbum]. Warp Records.

Mndsgn. (2016). Body Wash [Álbum]. Stones Throw Records.

NatureBoy Flako. (2015). Eclosure (Extended) [Álbum]. Natureboy; Five Easy Pieces.

Vanyfox. (2018). CrazyBoy, Vol. 1 [Álbum].

Yaeji. (2020). WHAT WE DREW 우리가 그려왔던 [Álbum]. XL Recordings.

¿El fin de las guitarreadas?

Clarisa Alba Gomez — Wed, 26 Aug 2026 22:02:24 +0000

¿Cómo escuchan música les jóvenes de hoy? ¿Cómo construyen sus referencias y preferencias? ¿Cómo se arma su identidad musical?

Nano Onetti Profesor de Lenguaje Musical III y Folklore musical argentino

La guitarreada

“¡Pero esa palabra le cambia el sentido completo a la canción!”, me dice una amiga después de que yo cante –súper convencido y apasionado– el estribillo de Yegua de Babasónicos. Yo decía “Marcando límites”, mientras que la letra original dice: “No acato límites”. Y sí… un poco cambia el sentido. Otro conocido que estaba en la ronda también la cantó así, de forma equivocada, y me miró con complicidad. Si supiera la cantidad de veces que lo dije así, pienso.

¡Cuántas canciones conocí en espacios como esos! Muchas, de muy chico, y que ya son propias hace añares. Autores y discos completos. Algo de mi propio gusto musical se fue moldeando entre unas cervezas, un cajón peruano medio roto y el tío que siempre canta las mismas. Cuántas miradas cómplices con otras personas por cantar por insistir en el mismo error en el estribillo, sabemos que no sabemos bien la letra, e incluso ya hay un nuevo código establecido en ese sentido. Lo que pasa ahí, al calor del fogón, la música compartida de manera espontánea, difícilmente sucede de otra manera. En ese momento de ronda estamos abiertos a que la música nos llegue distinto, de otras formas. Es irreductiblemente diferente a escuchar una grabación, porque cuando suena una canción en la ronda, se pasa por el cuerpo, se simplifica o complejiza, se filtra por la memoria de los asistentes, se resignifica, se redescubre. Así como la canción cambia, también nuestro universo cultural y referencial se expande.

“En este tiempo ese sagrado espacio de encuentro está en peligro de extinción. La juventud está en otra historia ya que no han vivido la experiencia única que vivimos nosotros, generaciones +30, de juntarnos a guitarrear. Y claro, si es la manera que vivimos nosotros, es la mejor, así que he aquí una invitación a ponernos a subvertir esta devastadora realidad”. Bueno, aclaro, el anterior párrafo es una gran ironía que viene a, justamente, sacar el velo romantizador y sacralizante del pasado. Si creyera en esta afirmación, pensaría que una sola manera de conocer y vivir la música es la única posible y la única deseable. No va por ahí. Pero, al mismo tiempo, no tener una mirada de que todo tiempo pasado fue mejor no nos quita la posibilidad de comparar, pensar y problematizar cómo escuchan música les jóvenes y adolescentes hoy, y qué efectos produce, tanto en lo estrictamente musical como en lo social y en lo político.

Lo cuantitativo

Hace 15 años mi yo de adolescente músico y melómano tenía la falsa idea de querer conocer todo. Época de MP3, Ares, Emule, CD’s numerados (más de 200 en mi caso), con 10 discos MP3 adentro de cada uno. Era jazz, era rock, era folklore, pop, soul, clásica, brasilera. Esa idea de querer escuchar todo lo que hubiera para oír.

Siempre hay mucha más música. Parece una obviedad, pero el resultado arroja datos determinantes: por día se suben, solo en Spotify, 100 mil canciones; si las canciones tuvieran en promedio 3 minutos, son 208 días consecutivos de música en un solo día. En un mes —e insisto, solo en Spotify— se suben 17 años de música.

Nadie llegaría, en toda su vida, a escuchar toda la música que se subió a internet en los últimos 2 meses. Esto genera que hoy en día nadie pretenda o fantasee “conocer todo”, y surge la pregunta: ¿Hay menos curiosidad? ¿Hay menos curiosidad como consecuencia de la resignación que produce no poder escuchar, y mucho menos entender y disfrutar, lo que pasa en tantos nichos musicales al mismo tiempo?

Lo fragmentario

Fui a un colegio de Córdoba con especialidad en música, Collegium, institución en la que ahora formo parte como docente. Allá por 2007/08, en mi curso construíamos nuestras identidades muy fuertemente vinculadas a los gustos musicales: estaban los metaleros del heavy y hardcore, los cuarteteros y cumbieros, los hippies del reggae y rock nacional y los poperos. Por supuesto que dichos rótulos no son estancos y probablemente alguien más pueda contar otra versión de estas etiquetas, no obstante sirve para ilustrar; síganme un poco la corriente… Hoy en día, en mi trabajo con adolescentes, veo que la identificación con la música continúa, pero al mismo tiempo hay más posibilidades, más rótulos disponibles. Solo algunos ejemplos: en las aulas de hoy conviven chicos que les gusta mucho el indie argentino, otros escuchan rap/trap, otro pop en inglés, rock nacional, internacional, k-pop, j-pop, gaming music, anime, y un sinfín de etc. Muchas de estas son posibilidades que hace 15 años no existían en nuestro país.

Todos los años realizo una actividad que consiste en armar una Playlist entre un curso, con canciones que sean importantes para la vida de cada uno de los chicos: tienen que justificar lo que representan para ellos, de manera totalmente subjetiva. Los resultados son muy interesantes: más de 100 canciones con una variedad llamativa. Se pueden detectar ciertas huellas generacionales (padres que vivieron los 90 y 00). Pero, acá hay otra diferencia y otro sello distintivo de los pibes de hoy: se despegan un poco más de la herencia musical. Están menos influenciados por los gustos de los padres, tíos, hermanos, abuelos, etc. Ahondar en esto es un tema para otro texto, pero me animo a decir que hay una distancia mayor entre esta generación (tener todo al alcance de un click), respecto de las propias diferencias entre las generaciones anteriores del cassete (años 80), CD (años 90) y MP3 (años 2000).

El aspecto algorítmico es otro gran elemento sobre el cual no voy a profundizar, sin embargo, quisiera señalar el rol clave que están teniendo, en las formas de consumir música, las Playlist. Es ahí donde el famoso algoritmo juega su partido más efectivo y goleador.

Podríamos sintetizar estas ideas en que los pibes, para construir sus gustos y preferencias musicales, tienen menos de herencia y tradición, y más de sociabilidad y de algoritmo.

Lo temporal

— Tío, ¡esa canción es re vieja! –me dice mi sobrina, porque presupongo que la canción que estoy poniendo en la radio es una que seguro que ella conoce. Claro, es una canción de hace 6 meses, es re vieja. La industria de la música de hoy maneja un contenido fuertemente segmentado y, como pasa con lo audiovisual, los medios, los memes, la política, la popularidad dura poco.

La cultura de la viralización es una máquina del tiempo poderosa que avanza y determina intervalos de éxito cada vez más cortos. Podemos pensar en un cierto paralelismo entre un disco hace 30/40 años, una canción hace 10/20 años y, actualmente, un fragmento de un tema que se usa para los challenge de Tik Tok. Lo que “pega”, lo que marca la popularidad y el consumo masivo, pasó de durar 30 minutos a 15 segundos. Los pibes saben el estribillo, la parte del challenge, porque lo ven docenas de veces, pero tal vez nunca escucharon la canción completa —que seguramente no dura más de 3 minutos—.

Teniendo en cuenta esto, los temas son menos “guitarreables” dado que es menos frecuente saberse la canción completa. ¿No les pasa que en un momento guitarrero, más allá de que conozcamos música de los últimos años, casi siempre es más efectivo ir a los “clásicos” de los 80/90/00?

La caída de los universales

Siempre fui guitarrero. Ocupé ese lugar desde los 13, 14 años cuando nos juntábamos cuatro o cinco personas en casa a merendar y a tocar y cantar las poquísimas canciones que sabíamos y estábamos aprendiendo. Después, en el colegio de música, potencié muchísimo más esa faceta —hasta llevamos la guitarra al viaje de egresados. En la facultad, al calor de la militancia estudiantil, llegaron tal vez los puntos más altos y las noches más largas. Recuerdo tocar hasta 5 o 6 horas seguidas, calambre de muñeca y dolor en la yema de los dedos incluidos. Solo no, siempre había alguien más; algunos cantaban —no es un talento mío en particular—, y con el correr de las horas y los brebajes ya no importaban tanto las notas ni la afinación sino la sensación de comunidad y sentido de pertenencia que da cantar con otres las mismas canciones.

En el terciario de música, en el que doy clases a estudiantes con edades entre 20 y 30 años, pregunto: “Che, ustedes cuando se juntan a tomar algo, ¿tocan la guitarra y cantan?” La respuesta negativa es unánime. No hay ninguna actitud de desdén, simplemente a nadie se le ocurre hacerlo. Misma pregunta a pibes más chicos, misma respuesta. Y si lo hicieran, me pregunto: ¿habría muchas canciones sabidas por todos?

Un repaso rápido por décadas hace pensar que si naciste en Argentina y viviste los 70 (la década de los vinilos) y estuviste presente en alguna guitarreada, algo de Sui Generis, Spinetta, Silvio Rodríguez o el Club del Clan haya sonado. En los 80 (la década de los casettes) tal vez hayan sido Charly, Serrat, Los redondos, Soda. En los 90 (la década de los CD’s), Calamaro, Bersuit, Gilda, Rodrigo, LuisMi. En los 00 (la década de los MP3), Decadentes, Callejeros, Shakira, Miranda, Daddy Yankee. En los 10 (la década del streaming) ya no quedan tan claros los casos, tal vez algo de El Kuelgue, El Mató o Conociendo Rusia, pero cualquiera de ellos es incomparable a la masividad de las bandas y artistas nombradas en décadas anteriores. Este pequeño repaso, absolutamente parcial, tal vez ilustra cómo a esta altura hay cada vez menos universales.

Las canciones

Hay algo que también sucede hoy y tiene que ver con lo específicamente musical. Nos encontramos, cada vez, con menos instrumentistas; hay menos guitarristas, pianistas, saxofonistas, bateristas, etc. Al mismo tiempo que resulta cada vez más importante la figura del productor (BZRP por caso) y del cantante. Los invito a hacer un ejercicio: tomen el top 50 de Spotify del momento en que leen esto y de esas canciones traten de nombrar a 5 instrumentistas. Difícil. Algo de esta transformación musical, en menos instrumentos, hace quelas canciones sean menos “guitarreables”. En este sentido, Duki, Wos, Nicki, Lali, María Becerra, Bad Bunny, Dillom y sus canciones son, en promedio, más difíciles de “resolver” con 1 o 2 instrumentos que artistas top del mainstream de hace 15 años, que ocupan un lugar similar: Abel Pintos, Miranda, Axel, Ciro o los reggaetoneros. ¿Discutibles los ejemplos? Sí, claro, como todo esto y de eso se trata.

Los pibes, por tener acceso a la música de todo el mundo y de hace 100 años hasta a hora, no escuchan necesariamente más cantidad y variedad de música. Si bien hoy probablemente haya mucha más variedad de géneros, orígenes e idiomas en la música que escucha un mismo grupo social de jóvenes, eso no se traduce linealmente en que cada pibe escuche más diversidad. La música se ha atomizado. Donde había decenas, ahora hay cientos de islas o nichos y eso produce consecuencias que no sabemos hacia dónde nos llevarán, pero que sin lugar a dudas cambian radicalmente los modos de vincularse con la música. Hoy estamos más cerca de una realidad en la que no hay universales, cada persona escucha una música distinta creada a su medida (¿Por una IA tal vez?), y en la que ya no encontramos lugares comunes donde se compartan canciones, como las guitarreadas, quizá porque no hay canciones comunes, “una que sepamos todos”.

Este artículo inicialmente fue publicado en La Tinta